(1876 – 1942)

(1876 – 1942)

Крупным художником книги и театра был этот мастер. Он учился в Академии у Репина. Своей специальностью Билибин избрал графику. Вскоре он создал свой неповторимый «билибинский стиль». Еще в годы обучения он выбрал для себя точный рисунок, ювелирную работу над акварельным рисунком. Стальная линия – вот главное в стиле Билибина. Точная, безупречная линия, выработанная колонковой кисточкой со срезанным концом. Это контурная линия, очерчивающая цветовое пятно. В ней есть нечто от модерна в архитектуре, в то же время на «билибинский стиль» значительное влияние оказало народное творчество. В народном творчестве орнамент, покрывающий ворота, наличники окон, крыльца, лавки, столы, печи, скатерти, посуду, полотенца, всегда плоскостен и не знает объема, созданного светотенью. Так в своих ранних книгах Билибин щедро насыщает орнаментом страницу с иллюстрацией. Таковы его тяжелые, широкие рамки. Сродни этому плоскостному орнаменту и рисунки. Линия Билибина и создает ощущение глубины пространства и одновременно оставляет изображенное на плоскости листа.

Свои первые иллюстрации к народной сказке Билибин создал летом 1899 г. в деревне в Тверской губернии. Это иллюстрации к «Сказке об Иване-царевиче, Жар-птице и о Сером волке». Он нарисовал три страничных, то есть в полную страницу рисунка, три в половину страницы, рисунок-заставку, предваряющий текст, концовку, пейзажные и орнаментальные рамки, обложку. В этих иллюстрациях еще заметно влияние . Характеристики героев часто приблизительны, линия неточна, но оригинальность книги была замечена сразу. Билибин нашел то, что в основных чертах определит его дальнейшую творческую судьбу. Затем проиллюстрированы «Царевна-лягушка», «Перышко Финиста Ясна-Сокола», «Василиса Прекрасная» и «Марья Моревна». В них воплощено ощущение опасности, которой подвергается человек перед лицом могущественных сил враждебного мира. Все они полны воспоминаний о древних поверьях, магических обрядах. Особенно удалась художнику «Василиса Прекрасная». Название сказки написано славянской вязью и требует пристального вглядывания. По бокам птицы – Сирины, как бы приглашающие нас войти в сказку. Мы еще в доме, и через открытые окошки видим зловещий силуэт Бабы Яги, летящей над волшебным лесом. Встреча Василисы с тремя загадочными всадниками дана художником в особой последовательности. Белый всадник еще только появляется из-за леса. Красный скачет уже перед нашими глазами, а черный выезжает прямо на нас. Он не пересказывает сказку, и поэтому запечатлевает не моменты сюжета, а создает образы героев. Орнамент рамок и рисунки на рамках вторят изображенным персонажам. Именно образ леса является в иллюстрациях Билибина наиболее впечатляющим. Оригинальный способ передачи пространства находит Билибин в иллюстрациях к «Марье Моревне» и сказке «Белая уточка». Он дает как бы две точки зрения одновременно: сверху – взгляд героя или героини, и снизу – наш взгляд на изображенное, но при этом мы можем увидеть изображенное и глазами самих героев. Так уплывающие корабли в «Белой уточке» мы видим глазами грустной княгини.

С 1902 г. занимался сбором произведений народного искусства по заданию этнографического отдела Русского музея. Он изучил русский Север, писал статьи по народному творчеству, иллюстрировал научные труды, посвященные народному костюму. Из исторических эпох ему ближе всего оказался 17 век, то есть время русского барокко. Именно знание русского 17 века привело Билибина к созданию подлинного шедевра – первой иллюстрации к пушкинской «Сказке о царе Салтане..»

Вместе с другими художниками «Мира искусства», в который Билибин вступил в 1902 г. он разделял особую любовь к творчеству . Точность деталей сочетается в иллюстрациях к сказке с лиричным настроением. На дворе стоит светлая северная ночь, молодится месяц, уютно светятся маленькие окошки избы, и, грузно проваливаясь, спешит к рыльцу «стороны той государь». Совмещены две точки зрения: снизу на елочку и сверху на государя. Светится голубой снег, горят драгоценные одежды царя, Изба на этой иллюстрации уже не приблизительная, а точно такая, в которых жили русские крестьяне: окошки маленькие, чтобы держать тепло, нарядное крыльцо с коньком, с витыми дворцовыми колонками, вдали – распространенная на Севере шатровая церквушка, завершающаяся луковичной главкой. Шуба на царе крыта парчой и бархатом. Подлинно 17 век.

Вооруженный знанием народного быта, архитектуры, одежды старины Билибин приступил к иллюстрированию самой загадочной сказки «Сказки о золотом петушке». Она была закончена поэтом 20 сентября 1834 г. в Болдине, в период грустных размышлений поэта о собственной судьбе в николаевской империи.

Билибин изобразил шествие дадонова войска монументально по типу фриза, как в древнерусском искусстве. Замечательна сцена оплакивания Дадоном сыновей. На фоне обезличенной рати царь выделяется свой жестикуляцией, темпераментом. При этом остается какой-то обезличенной фигурой, без определенных черт характера Звездочет, воинская рать, Шамаханская царица. В этом Билибин следовал за сказкой Пушкина. Билибин оформил и «Сказку о золотом петушке» Римского-Корсакова в опере Зимина, создав классический образец театрального оформления.

С 1918 г. по 1936 г Билибин жил в эмиграции, а затем вернулся на Родину, где стал академиком и профессором, продолжал иллюстрировать книги, оформлять спектакли. Художник умер в ночь с 6 на 7 февраля в осажденном фашистами Ленинграде, продолжая до последнего дня творить свой мир. Последней работой Билибина была иллюстрация к русской былине о Дюке Степановиче, сокрушавшем врагов Родины.

(1

Представитель младшего поколения «Мира искусств» вдохновлялся красочным патриархальным русским бытом. Более всего его увлекали красочность, зрелищность, нарядность. В них он видел проявления народного вкуса, эстетики. Кустодиев учился в Академии, в мастерской Репина. Уже в своей конкурсной картине Кустодиев представил сцену базара в деревне. Это бессобытийная картина, в которой передано упоение красотой повседневной жизни деревни. Художник любуется богатством открывшихся ему наблюдений народного быта, живописностью костюмов и утвари, разнообразием отношений зимнего пейзажа. В 1гг. в картинах «Ярмарка» и «Праздник в деревне» Кустодиев создает свой особый стиль. Художнику присущ мягкий юмор в обрисовке своих персонажей, лиризм, стремление к синтетичности образов, к повествовательности, то есть изображению разных эпизодов, чувствуется влияние народного искусства. Такова и картина «Московский трактир». Торжественный ритуал чаепития был подмечен еще Рябушкиным, но Кустодиев придал полотну нечто от «тайной вечери», где вместо апостолов восседают извозчики в синих кафтанах. А строго по центру расположена икона с лампадой, подчеркнуты полукружия аркады. Цвет локальный, взятый в полную силу, он звучен и ярок: густо-синее, темно-красное, белое. Освещение ровное и сильное, так направлено, чтобы зритель мог полностью разглядеть традиционную обстановку трактира. Фигуры половых фланкируют главную группу. Экзотические пальмы в бочках – признак хорошего тона. Картина призвана воспеть красоту традиционного быта.

Но Кустодиев не часто изображает сцены в интерьерах. Для него более характерны пейзажный фон, заволжские дали, где во всем чувствуется размах, мощь, удаль, праздничность русской земли. Таковы многочисленные гуляния, катания на тройках, балаганы, ярмарки. В картине «Масленица» вытянутое по горизонтали полотно передает широту народного гуляния, охватившего весь город. На переднем плане мчатся веселые тройки наперерез друг другу. Далее, в глубине пейзажа – крохотные фигурки людей, в лощинке расположился праздничный базар, и вся площадь перед ним кишит людьми. Въезжая на пригорок, тройка немного притормозила, чтобы зритель мог полюбоваться ею. Картина производит монументальное впечатление, словно вся Русь предстала на ней.

Красоту русской женщины художник олицетворил в картинах «Девушка на Волге», «Красавица», «Русская Венера», «Купчиха». В них воедино сплавлены реальность и условность, восторг и пародийность, жизненная бытовая достоверность и фантастичность, неизменная гипербола. Эти образы – воплощение мечты о счастливой, спокойной, полной довольства жизни. Героини подобны монументам, их наряды и самая нагота ярки, живописны. Они изображены фронтально, с низкой точки зрения. Фигура купчихи значительно превосходит пейзаж с маленькими фигурками вдали. Картина мажорна, декоративна, красочна. В передаче тканей подчеркнута материальность.

Замечательны портреты Кустодиева, среди которых можно выделить «Монахиню» и портрет Ф. И, Шаляпина на фоне подлинно кустодиевского русского города. Интересно творчество Кустодиева времени революции, особенно картина «Большевик». И после революции художник любил изображать праздники, но на этот раз уже революционные гуляния народа.

(1874 – 1947)

Рерих с юных лет объединял занятия искусством с подлинной научной работой, являясь крупным специалистом в изучении славяноведения и восточных культур. Он был страстным путешественником и свои путешествия совершал с целью познания. Он принимал участие в раскопках курганов, его особенно интересовали народные поверья, легенды, памятники древнего искусства и культуры.

Рерих учился на юридическом факультете, в академии в мастерской . В своем творчестве он эпичен, монументален, обращается не к конкретному человеку, а к человечеству в целом. В первых же своих работах он обратился к древней Руси эпохи славянского язычества. Такова картина «Гонец. Восста род на род», купленная П. М, Третьяковым. По тематике к ней близки картины «Зловещие», «Город строят». Главное в них – создание особой атмосферы, настроения чего-то жуткого. В картине «Зловещие» перед нами северный пейзаж с нагромождением камней, с четкой линией прибрежных холмов, выдержанный в холодно-серой, синей и черной тональности. Выразительные силуэты воронов воспринимаются как символ надвигающегося бедствия, как его предчувствие. Рерих одухотворяет природу, делая ее соучастницей человеческой истории, смотрит на нее глазами древнего человека. такова картина «Небесный бой». Отказываясь от масляной живописи, Рерих прибегает все чаще к темпере, создает мозаику для Казанского вокзала. Он раньше других открыл значение древней иконописи, поехал в старинные русские города и создал этюды памятников Ростова Великого, Суздаля, Углича. Иногда символика Рериха приобретает мистическую окраску. Рериху присущи чувство цвета, тяготение к большим формам, что привело его к работе в театре. В дальнейшем жизнь Рериха оказалась связанной с Индией.

Анна Петровна Остоумова-Лебедева (1871 – 1955)

Создатель цветной гравюры на дереве и возродитель черной гравюры, после Училища технического рисования она поступила в Академию в мастерскую Репина, а затем по совету последнего поехала в Париж совершенствоваться в колористике. Ее поразили венецианские цветные гравюры 16 века. В гравюре художницу привлекали краткость и сжатость языка. Главной темой ее крупных гравюр стал Петербург, его пейзажи, представленные в разное время суток, с различных точек. Любовь к Петербургу привил Остроумовой-. Она изучала город в различные времена года, при разном освещении. Выискивая наиболее выразительные архитектурные формы. С 1901 г. начала она свою сюиту петербургских пейзажей. Саму специфику гравюры художница постигала на примере творений великого Дюрера с их исключительным богатством линейных приемов. В работах Остроумовой главным приемом становится предельная четкость силуэта –«Новая Голландия», резкий контраст света и тени наполняет гравюру «Сфинкс на набережной Невы».

Особенно замечательны цветные гравюры «Петербург. Крюков канал», «Петербург. Екатерининский канал», «Нева сквозь колонны Биржи», «Адмиралтейство под снегом» и другие. В них есть и личное отношение художницы к любимому городу и вместе с тем это – классическая сила и мощь российской столицы, переданная через спокойный ритм горизонталей и вертикалей, памятники эпохи ампира. Нередко здание изображается со столь близкого расстояния, что во всем величии переданы его сила и значительность. Обычно ее пейзажи безлюдны, но полны лиризма, который создает особое освещение. Золотистый закат в «Крюковом канале», или ясный солнечный день в «Колонах Биржи». Прекрасны в ее работах упругие линии колонн, ритмы карнизов, величавы грандиозные сооружения.