Зарубежное искусство

СОДЕРЖАНИЕ

1) ВСТУПЛЕНИЕ …………………………………………… 2

2) ЗАРУБЕЖНОЕ ИСКУССТВО …………………………... 3

2.1) Архитектура ………………………………………….. 3

2.2) Скульптура …………………………………………… 6

2.3) Искусство …………………………………………….. 10

2.4) Музыка ……………………………………………….. 14

2.5) Литература …………………………………………… 16

3) ПАБЛО ПИКАССО ……………………………………… 18

4) ИСКУССТВО РОССИИ …………………………………. 26

4.1) Архитектура ………………………………………….. 26

4.2) Скульптура …………………………………………… 31

4.3) Искусство …………………………………………….. 34

4.4) Музыка ……………………………………………….. 36

4.5) Литература …………………………………………… 38

5) ЗАКЛЮЧЕНИЕ …………………………………………... 40

ЛИТЕРАТУРА

1. ВСТУПЛЕНИЕ

ХХ век – острых противоречий, глубоких социальных конфликтов, разочарований и вместе с тем надежд всего человечества, век настойчивых исканий новых, более совершенных путей развития человеческого общества. По сложности исторических процессов ХХ век резко отличается от предшествующих периодов развития общества.

ХХ столетие не только принесло художникам невиданные ранее возможности (прежде всего технические), но и заставило их отказаться от привычного взгляда на мир. Уже в начале века наука пересмотрела большую часть «бесспорных истин» Нового времени. Гуманистические ценности Возрождения и Просвещения больше не служили поддержкой человеку. Теперь он сам должен был защищать их в кошмаре мировых войн и тоталитарных режимов. Достижения прошлого казались бесполезными, и человечество осталось наедине с грозным и таинственным миром, словно в первобытные времена (не случайно огромную популярность в ХХ веке приобрело доисторическое и примитивное искусство).

("1") Шедевры литературы и искусства, в наше время известны неизмеримо большему количеству людей, чем в то время, когда они создавались. Передовые люди остро ощущали разрыв между малочисленным образованным слоем и массой народа, лишённого доступа к ценностям культуры.

2. ЗАРУБЕЖНОЕ ИСКУССТВО

2.1 Архитектура

История современной архитектуры Запада писалась параллельно с её становлением. Лучшие зодчие столетия одновременно были теоретиками – исследователями и комментаторами процессов её развития. Очень часто именно благодаря полемическому и пропагандистскому дару их новаторские идеи, которые вначале не находили воплощения или реализовались в единичных постройках, всё же обретали признание и получали распространение.

Технические открытия, новые материалы и конструкции изменили методы строительства. Камень и дерево уступили место стали и железобетону, алюминию и стеклу, а затем и пластмассам. На первых порах научно – технические новшества использовались при возведении построек в духе существовавших архитектурных норм и традиций. Но, в конце концов, они заставили совершенно по – иному взглянуть на архитектуру. Зародившиеся в конце ХIХ века идеи рационализма и конструктивизма получили мощные стимулы и развились в новое направление – функционализм. Внешний облик «функциональной» постройки отражал не только её конструкцию, но и внутреннюю планировку, которая определялась практическим назначением. Таким образом, если раньше все элементы сооружения подчинялись форме, то теперь здание могло приобрести форму в зависимости от назначения.

Построить здания способное простоять века, не так-то просто, это требует определённых знаний и уровня развития техники. Но здание должно не только соответствовать своему назначению, но и быть красивым. Архитектура и является видом искусства, которое позволяет возводить красивые и удобные постройки, соответствующие определённым целям (жилые дома, общественные, административные, представительные и другие типы зданий). Поэтому её и считают одним из ведущих видов пластического искусства.

Вместе с тем архитектура является частью материальной культуры общества, по которому можно судить о прогрессе науки и техники, особенностях быта, традициях национальной культуры. Наконец, она стимулирует развитие ряда отраслей знания (например, строительной механики), выдвигая перед наукой и техникой новые практические задачи.

Произведения архитектуры различны: конечно, это прежде всего здания бытового и общественного назначения, а также сооружения, организующие открытие пространства (монументы, террасы, набережные и т. д.). Особую область строительного искусства – градостроительство – составляет планировка и застройка городов и других населённых мест. Частью архитектуры являются также пространства, сформированные посредством преобразования и объединения элементов естественной природы.

Применение цвета и различных декоративных элементов, сочетание архитектурных форм со скульптурой, живописью и произведениями декаротивно-прикладного искусства обуславливают связь архитектуры с другими искусствами. Пространственно-временной, не изобразительный характер произведений архитектуры говорит о её родстве с временными искусствами (например, с музыкой; иногда архитектуру даже называют музыкой, запечатлённой в камне).

Стремясь наделить огромное множество людей жильём, функционалисты искали наиболее экономичные способы возведения зданий из деталей и конструкций промышленного производства. Поэтому формы построек предельно упрощались. В основном они сводились к параллелепипеду (такие здания часто называют «коробками»), реже – к сфере, цилиндру. Надо отметить, что при массовом строительстве эти дома иногда оказывались не очень удобными, так как проектировщики не всегда учитывали климатические особенности местности, индивидуальные интересы жильцов, конкретные условия строительства. И главное, такая архитектура ограничивала творческое начало. Но всё же лучшие произведения архитектуры ХХ века гармонично соединяют художественное творчество с новыми техническими возможностями.

2.2 Скульптура

В сравнении с живописью и графикой скульптура охватывает довольно ограниченный круг явлений, но может разрабатывать его с большой глубиной.

Поскольку показ окружающей человека среды, освещения пейзажа в скульптуре очень ограничен, она сосредотачивает все свои художественные средства на передаче богатства и многочисленности человеческого образа. Скульптурные изображения являются незаметной формой увековечения и прославления красоты и силы человека. Обязательный, реальный объём – основное художественное средство скульптуры, цвет применяется достаточно ограниченно и условно.

По назначению скульптура подразделяется на станковую, монументальную и декоративную. В каждой из этих областей применяется круглая скульптура, представленная фигурной группой, статуей, бюстом, и рельеф.

Техника скульптуры достаточно сложна. В отличие от живописи, в ней наряду с авторской работой (лепка, отчасти высекание) важное место занимает подсобный труд скульпторов-ремесленников и мастеров скульптурной технологии.

Наряду с живописью, скульптура была широко распространена почти во все времена и у всех народов. В изобразительном искусстве античности скульптуре принадлежала ведущая роль: идеал гармонически развитой личности, выработанной греческой культурой, получил в ней самое наглядное воплощение.

В искусстве готики роль скульптуры исключительно важна. Она как бы «очеловечивает» архитектуру, усиливает её духовную насыщенность. Высокими достижениями в области скульптуры отмечена эпоха Возрождения. В это время совершенствуется техника изображения человека, появляются новые жанры скульптуры – так называемая свободно стоящая статуя. Однако в последующее время начинают преобладать декоративные тенденции – скульптура всё чаще используется лишь как элемент оформления интерьера, здания или парка.

Скульптура ХХ столетия активно участвует в общем художественном процессе, однако именно в этом виде искусства наиболее прочно и органично сохраняется классическая традиция. Многие скульпторы ХХ в. в яркой, глубоко индивидуальной манере продолжали воплощать опыт великих мастеров античности и Возрождения.

Мы обнаруживаем в искусстве ХХ в. стремление запечатлеть особый характер современной жизни с её динамикой общественных событий, конфликтами и противоречиями, напряжённостью человеческих чувств и переживаний. Эти тенденции в начале ХХ в. наиболее ярко выразились в реалистичной скульптуре, и прежде всего в творчестве французского скульптора Эмиля Антуана Бурделя (1861 – 1929), ученика Родена.

Другое направление реалистичной скульптуры этого времени представлено также французским скульптором Арисхидом Майолем (1861 – 1944), художником, который стремится вернуть современную скульптуру к её классическим античным истокам и полон веры в естественную природную красоту человека. Созданные скульптором образцы полны безмятежного покоя и совершенства.

("2") Основной жанр, в котором работает третий французский скульптор – Шарль Деспьо (1874 – 1946), психологический портрет. Он остро воспринимает неповторимые, индивидуальные черты лица своих моделей, их характер и внутренний мир. Деспьо избегает внешних эффектов. Главная сила его портретов – в их убедительной правдивости.

Большой интерес представляет творчество итальянского скульптора Джакомо Манцу (родился 1908 г.), развивающего традиции реалистичной пластики ХХ века. Скульптурные образцы Манцу обладают философским содержанием. Они экспрессивны и монументальны.

Стремление к реализму, конструктивной ясности и вещественности форм было ведущей тенденцией развития скульптуры в первом десятилетии ХХ века. Но одновременно в этот период возникает и другая тенденция, порывающая с реализмом. Многие скульпторы отрекаются от воспевания красоты человека, деформируют и дробят формы его тела, лишают его образ гуманистического содержания, чтобы внушить людям мысль о безнадёжности борьбы за существование. Одно за другим возникают формалистические направления, как правило, быстро прекращающие своё существование.

С большой долей условности термин «скульптура» можно применить к произведениям представителей дадаизма, поп-арта, концептуализма. В продолжение тысячелетий искусством называлось творческое отображение различных реалий материального или духовного мира, здесь же все усилия авторов направлены на то, чтобы возмутить, шокировать или озадачить зрителя.

2.3 Искусство

Для ХХ века характерен интенсивный процесс поиска новых художественных форм и выразительных средств. Возникают новые виды и формы искусства – фотомонтаж, коллаж, оформительское искусство, дизайн. Появляется массовая художественная культура, начавшая вытеснять традиционные художественные ремёсла.

Характерный для последней трети ХIХ века импрессионизм – пережил в начале века глубокий кризис. Импрессионизм стремился в живописи путём разложения красок на составляющие элементы, разложения видимого мира на мозаику красочных пятен создать синтез – обобщённое синтетическое произведение своего восприятия объекта. В конце ХIХ века наступил закат импрессионизма как художественного течения. На смену ему пришёл целый ряд новых художественных течений, представители которых в основном опирались на стиль модерн.

Формалистические течения в живописи первых десятилетий ХХ века обычно объединяются понятием модернизм. В действительности всё новаторство художников-модернистов ограничивается отказом от реалистических форм, от жизненной правды в искусстве. В их исканиях преобладает защита субъективных тенденций в искусстве, уход от жгучих социальных проблем современности.

Французский художник Поль Сезанн первым вышел за рамки импрессионистского видения природы и пространства, положив начало постимпрессионизму. Он нашёл новые художественные средства и на своих полотнах как бы «раздвинул» пространство. На его пейзажах сбегают или обрываются вниз склоны, прогибаются долины, выгибается зеркало вод, вспухают холмы, громоздятся к небу горные вершины. Если импрессионисты оживили свет и цвет в изображении, то Сезанн пошел дальше.

Постимпрессионизм открыл дорогу новым художественным течениям, которые отказались от простого воспроизведения видимой поверхности реальных объектов, стремились проникнуть в суть явлений, выразить внутренний мир, характер человека. Они знаменовали наступление нового, переходного периода в развитии живописи, архитектуры, литературы, театрального искусства. Поскольку представители этих течений провозглашали себя сторонниками нового, авангардного искусства, оно получило название авангардизм.

Большое влияние на развитие авангардной живописи оказал кубизм, он возник 1907 году. Основателями этого направления считаются французские художники П. Пикассо, М. Дюшан и Ж. Брак. Отказываясь от свойственной импрессионизму передачи цвета и света, кубисты создавали новые формы многомерной перспективы: разлагая объект на геометрические формы, художники изображали его с самых разных сторон, в том числе и обычно невидимых. На картинах пересекались различные плоскости и геометрические фигуры (полуокружности, окружности, треугольники, кубы и т. д.). Таким образом кубисты пытались обнаружить некий энергетический центр объекта, его внутреннее содержание. Картина Пикассо «Скрипка» является наиболее характерным примером этого художественного направления, метода и стиля.

С нарастанием кризиса и противоречий в капиталистическом обществе после катастрофы первой мировой войны в буржуазном искусстве всё более распространяется идея отрицания разума, проповедуется отчаяние, страх перед действительностью, представляемой в виде хаоса. Одним из основных течений в искусстве становится абстракционизм. Художники-абстракционисты не передают реального мира, предметную достоверность его (поэтому абстрактное искусство называют беспредметным, неизобразительным), они отрицают объективное существование мира, ищут выход в замыкании в «личные мирки». Композиции их холстов и графических листов состоят из разнообразных плоскостей, красочных пятен, линий.

Другое реакционное течение буржуазного искусства – сюрреализм (это слово в переводе значит «надреализм»). Сюрреалисты ставят перед собой цель показать в искусстве галлюцинации больного воображения, кошмарные сны, мистические видения. Абсурд и безумие для них единственные закономерности мира. Они считают, что умственное помешательство – идеальное состояние для творческого процесса. Цель такого искусства – лишить зрителя воли, разума, активности.

Наиболее последовательно реалистический метод появляется в творчестве Альбера Марке (), прекрасного французского живописца, привлекающего ясностью и поэтичностью взгляда на окружающий мир. Сын железнодорожного служащего, Марке провёл детство в Бордо. Он полюбил морские просторы, динамичную жизнь портового города. Излюбленным жанром его стал городской индустриальный пейзаж. Изображая город, порт, парижские набережные, Марке постигает современную своеобразную красоту города, его особый ритм жизни. Пейзаж в его картинках предстаёт преображённым руками человека, обогащённым его кипучей трудовой деятельностью.

Яркую страницу искусства ХХ в. представляет творчество Анри Матисса (). На протяжении всей жизни художник создавал произведения, поражающие щедрой красочностью, исполненные жизнерадостности и ликования. Картины Матиссы – это монументальные декоративные полотна, по плакатному лаконичные. Матисс восхищался красотой природы, противопоставляя ей несовершенство и дисгармонию окружающего социального мира.

Одна из характерных особенностей искусства ХХ в. – многоликость творчества художников, разнообразие и контрастность их творческих исканий.

2.4 Музыка

На первый взгляд может показаться, будто между музыкальным искусством ХХ в. и всех предшествующих столетий лежит пропасть – столь велики различия в звуковом облике произведений. Даже сочинения 10 – 30-х гг. многим слушателям представляются очень сложными, резкими по звучанию, излишне напряжёнными. На самом деле в ХХ в., как и в любые другие эпохи, музыка точно отражало эмоциональную и духовную жизнь людей. По сравнению с предшествующими столетиями темп жизни человека ускорился, её ритм стал более жёстким и напряжённым. Трагические повороты истории – войны, революции, тоталитарные режимы, появление ядерного оружия – не только обострили душевные противоречия, присущие людям во все времена, но и поставили человечество на грань уничтожения. Именно поэтому тема противостояния жизни и смерти стало ключевой в музыке ХХ века. Не менее важной оказалась для искусства и проблема самопознания личности. Научные разработки в области психологии, особенно в теории психоанализа, вызвали стремление проникнуть в потаённые глубины внутреннего мира человека. В музыку вошёл таинственный и странный мир снов, неосознанных желаний и инстинктов.

Другой важной особенностью музыкального языка ХХ века стали необычные звучания. Их поиск шёл в двух направлениях. Чтобы передать образы современной жизни, использовали необычные шумовые эффекты (лязг и скрежет металла, грохот станков и другие «промышленные» звуки), изобретали новые инструменты. Однако более интересные результаты дал другой путь. Композиторы экспериментировали с традиционными инструментами: смешивали тембры, играли в непривычных регистрах, изменяли технические приёмы.

("3") Многое изменилось и в отношении к исполнительскому искусству. Если в предшествующие столетия музыкант должен был прежде всего поразить публику совершенством техники игры, то в ХХ веке виртуозность перестала быть самоцелью. На первое место вышло глубина и точность понимания композиторского замысла, умение играть эмоционально. Важным стало общение артистов разных стран друг с другом. В Европе и Америке ныне устраиваются музыкальные фестивали и конкурсы, где происходит обмен творческим опытом. Программы и задачи этих праздников искусства очень разнообразны. Они могут посвящаться отдельной эпохе и жанру, творчеству определённого композитора или исполнителя. Но, как правило, каждое серьёзное мероприятие подобного рода решает ещё одну важнейшую задачу – обобщает опыт, накопленный музыкой со времён Средних веков, делает это искусство по-настоящему открытым и свободным для развития.

2.5 Литература

ХХ столетие вообще не создало какого-то главенствующего направления в литературе, какими для своего времени были, например, классицизм или романтизм. Существенной его особенностью стало как раз очень широкое разнообразие художественных манифестов и школ (приверженцы которых часто вступали в непримиримый конфликт друг с другом по причинам как творческим, так и политическим). И безоглядные новаторы, и убеждённые архаисты – типичные фигуры для литературы ХХ века. Помимо многого другого произошло и резкое расширение её пространственных границ: никого уже не удивляет, что писатель с мировым именем появляется где-нибудь в Колумбии или в Исландии, - факт, невозможный в былые времена.

Вместо стремления к правде на все времена в литературе возобладали игра, или частное свидетельство без философских претензий, или ирония, которую как раз и вызывают всеобъемлющие претензии такого рода. Стало естественным написать произведение, не то что лишённое каких бы то ни было универсальных истин, а как раз говорящее о невозможности обрести хотя бы частную истину, об иллюзиях и отчаянии, подстерегающих на этом пути. Намного более высоко, чем раньше, начали цениться формы, совсем не напоминающие реальную жизнь, а, напротив, подчёркнуто условные, с сильным элементом гротеска, часто – с использованием образов и ситуаций, заимствованных из античных или библейских мифов, потому что эти образы и ситуации напоминают о вечном в хаосе и сумятице текущей жизни.

Стали обычными скрытые или явные пародии. Их целью было разрушение самообманов человека, всё ещё не расставшегося с высокими представлениями о собственной природе и о своём призвании в мире. А нередко целью являлось высмеивание стандартных мыслей, воззрений, переживаний, которые господствуют в современном обществе, где воцарился, оттеснив истинного героя, «человек толпы».

Наконец, стал подозрителен художественный вымысел – казалось, что он непременно обедняет и схематизирует действительность. И наоборот, очень востребованными были документальные формы, факты, достоверные свидетельства, особенно в тех случаях, когда писателю приходилось касаться темы социальных бедствий, с которыми раньше людской род ещё не сталкивался, - массового геноцида, эпидемий бессудных расправ во имя торжества безумных политических проектов, атомных бомб, оставляющих только груды пепла от целых городов.

Вместо романов и поэм создаются «тексты», открытые для самых разных прочтений и вступающие в активное взаимодействие с другими «текстами» по принципу «интертекстуальности» – явного или скрытого цитирования, диалога, пародии. Игра и ирония – основные качества этой литературы, ставшей самым характерным явлением художественной жизни конца ХХ столетия.

3. ПАБЛО ПИКАССО

(1881 – 1973)

Пикассо – выдающийся французский художник испанского происхождения, живописец, рисовальщик, гравёр, скульптор, керамист, писатель.

Художественные навыки получает от отца, преподавателя рисования. С 1895 г. учится в барселонской Академии художеств «Ла Лонха».

Ранние работы художника (до 1900 г.) отмечены мастерским владением академическими приёмами письма («Первое причастие», ; «Знание и милосердие» – обе в Музее Пикассо, Барселона). В 1897 г. он сдаёт экзамен на старший курс Королевской академии Сан Фернандо в Мадриде, однако вскоре переезжает в Барселону, где входит в богемные круги художественной интеллигенции.

С 1900 г. Пикассо периодически посещает Париж, а в 1904 г. переселяется в этот город. Время с 1901 по 1904 гг. в творчестве художника принято называть «голубым периодом». Полотна, написанные в эти годы, несут черты влияния импрессионистов и постимпрессионистов (П. Сезанна, П. Боннара, А. де Тулуз-Лотрека, Э. Дега), а также стремление найти свой путь в искусстве («Странствующие гимнасты», 1901, ГМИИ, Москва, «Старый гитарист», 1903, Художественный институт, Чикаго; «Старый еврей с мальчиком», 1903, ГМИИ, Москва; «Жизнь», 1903, Музей искусств, Кливленд; «Ужин слепца», 1903, Метрополитен – музей, Нью-Йорк; «Бедняки на берегу моря», 1903, Национальная галерея, Вашингтон).

Вытянутые фигуры, вырисованные угловатыми ломкими линиями, выделяются на густом фоне. Угрюмые, обделённые жизнью персонажи, как правило слепцы и нищие, изображены в съёжившихся позах, тесно прижавшимися друг к другу, выражая всем своим видом отрешённость от остального мира, бесприютность существования.

В работах гг. («розовый период») героями П. Пикассо становятся бродячие комедианты и акробаты, хрупкие прозрачные фигуры которых напоминают скорее пламя свечи, молодой побег или надломленную ветку («Актёр», 1904, Метрополитен-музей, Нью-Йорк; «Семья акробатов с обезьяной», 1905, Национальная галерея, Вашингтон; «Девочка на шаре», 1905, ГМИИ, Москва). В картинах тёплые, полные солнца тона переплетаются с оттенками пепельного и бледно-голубого. Бесспорной вершиной творчества данного периода является картина «Семья бродячих акробатов» (1905, Национальная галерея, Вашингтон), костюмированные герои которой, полные отрешённости и одиночества, позируют в пустыне.

С 1906 г. в творчестве П. Пикассо появляются новые формы, для которых характерна монументальная обобщенность («Сидящая обнажённая», 1906, Национальная галерея, Прага; «Гертруда Стайн», 1906 , Метрополитен-музей, Нью-Йорк; «Две обнажённые», 1906, Музей современного искусства, Нью-Йорк). Грубоватые, весомые фигуры из прямых линий со штриховой моделировкой («Бюст женщины», 1907; «Автопортрет», 1907 – обе в Национальной галерее, Прага) появляются после знакомства с негритянкой и иберийской пластикой, под влиянием искусства Сезанна, отмеченного стремлением передать на полотне собственное видение мира, а не слепок с природы. П. Пикассо раскладывает предметы и фигуры на составные части, а затем из них на плоскости и картины образуют новую изобразительную форму, кристаллическую структуру, закладывая основу нового живописного направления – кубизма. Переходом к этой художественной системе становится большая картина «Авиньонские девушки» (1907, Музей современного искусства, Нью-Йорк), в которой ломкость и резкая деформация фигур нашли наиболее яркое выражение.

Период кубизма в искусстве Пикассо () можно разделить на два этапе. Первый, «аналитический» (), отмечен развитием от простого разложения объектов на отдельные единицы и плоскости («Даниэль Анри Канвейлер», 1910, Художественный институт, Чикаго; «Абруаз Воллар», 1910, ГМИИ, Москва) к усилению стереометрических образований, которые практически вытесняют облик натуры («Гитарист», , Музей Пикассо, Париж; «Афисьонадо», 1912, Художественный музей, Базель). На втором «синтетическом», этапе () появляются разнотипные знаки (элементы живописи, графические знаки: ноты, буквы, цифры, обозначение игральных карт и коллажи из цветной бумаги, афиш, газет, обоев), представляющие связанной сложной текстуре проблемные отношения между разными способами отражение реальности («Моя красавица», 1914, частное собрание, Женева; «Композиция с виноградной гроздью и грушей», 1914, Эрмитаж, Санкт-Петербург; «Человек с трубкой», 1914, Музей Пикассо, Париж).

К 1915 г. метод П. Пикассо складывается в хорошо разработанную систему. Яркие цвета гармонически сливаются, образуя коллаж («Человек с трубкой», 1915, Художественный институт, Чикаго; «Арлекин», 1915, Музей современного искусства, Нью-Йорк). Игровая комбинация, характерная для кубизма переходит в театральные разработки конца 1910-х – начало 1920-х гг. (спектакль «Парад» труппы «Русские балеты» С. Дягилева) и в область скульптуры, что проявляется в создании конструкции и сбросовых материалов.

Пикассо с конца 1910-х по начало 1920-х гг. развивается в двух противоположных направлениях. С одной стороны художник продолжает разрабатывать приёмы кубизма («Три музыканта», 1921, Музей искусств, Филадельфия; вариант, Музей современного искусства, Нью-Йорк; «Танец», 1925, Галерея Тейт, Лондон). Цветные плоскости в прерывистом ритме беспорядочно накладываются друг на друга, что в сочетании с резко противоположными красками передаёт ощущения джазовой музыки.

Натюрморты этого времени представлены как драматические сценки, герои которой – античные статуи («Мастерская с гипсовой головой», 1925,Музей современного искусства, Нью-Йорк; «Натюрморт с античной головой», 1925, Национальный музей современного искусства, Париж). С другой стороны, в искусстве П. Пикассо после увлечения балетом появляются классические черты и сюжеты. Под влиянием Ж. портреты мастера наполняются изяществом и тонкостью («Ольга Хохлова», 1917, Музей Пикассо, Париж; «Сидящий Арлекин»,1923, Национальный музей современного искусства, Париж), имеют чёткий рисунок и намеренную незавершенность в живописной проработке фигуры. Однако классические мотивы художник экспрессивно деформирует, применяет разные ракурсы, изменяет пропорции, создавая ощущение расчленения огромной фигуры на различные по своему масштабу части («Три женщины у источника», 1921, Музей современного искусства, Нью-Йорк; «Женщины, бегущие по пляжу», 1922, «Флейта Пана», 1923 – обе в Музее Пикассо, Париж).

("4") Черты сюрреализма появляются с гг. («Мастерская модистки», 1926, Национальный музей современного искусства, Париж; «Художник и модель»; «Большой натюрморт на круглом столе»,1931-обе в Музее Пикассо, Париж) и выражаются в «конвульсивной красоте» и психическом автоматизме. Линии свободно двигаются по полотну и, собираясь в сложные узлы, образуют непонятные конфигурации. Реальные фигуры появляются из акцента цвета и сплетения конфигураций. Даже прекрасное женское тело в работах П. Пикассо из-за гладко выточенных деталей приобретает облик страшного чудища со злобным оскалом и острыми конечностями, направленными вверх («Сидящая купальщица»,1930, Музей современного искусств, Нью-Йорк; «Фигуры на берегу моря», 1931, Музей Пикассо, Париж).

В 1928 г. П. Пикассо вновь увлекается скульптурой. Изобретательностью и остроумием полны конструкции из проволоки, корзин, игрушек, металлических инструментов, картона, обломков мебели и т. д. Вначале 1930-х гг. появляется целый ряд графических работ (рисунки к «метаморфозам» Овидия; офорты «Сюита Воллара»; цикл рисунков и гравёр с изображением Минотавра), характеризующихся сочетанием фантастического и реального, древности и современности, мифического и частного, воплощающие раздумья мастера о сложных соотношениях вымысла и реальности, о творческом предназначении художника.

В 1930-е гг. события европейской истории и неприятности в личной жизни вносят в творчество художника мрачные трагические черты в картинах «Коррида. Смерть тореро» (1933, Музей Пикассо, Париж) и «Коррида» (1934, Частное собрание) представлены ужасающие в своей жестокости сцены кровавого насилия, мучительной смерти лошади в борьбе с разъярённым быком. В офортах «Минотавромахия» (1935, Музей Пикассо, Париж) и в серии рисунков, изображающих Минотавра, выражены стихийные тёмные силы природы. Трагические нотки появляются и в портретах, где используются приём совмещения фаса и профиля, позволяющий создать ощущения меняющегося ракурса («Сон», 1932, Частное собрание, Нью-Йорк; «Девушка перед зеркалом», 1932, Музей современного искусства, Нью-Йорк; «Дора Маар», 1937; «Мари Терез Вальтер», 1937 – оба в Музее Пикассо, Париж; «Майя с лодкой», 1938, Собрание Анжелы Розенгарт, Люцерн). Так, в портрете дочери Майи левый глаз изображен спереди, правый глаз и нос – сбоку, рот как спереди, так и сбоку; смещено пространство: стена и ковёр представляют одну плоскость, на фоне которой изображена дочь. В картине П. Пикассо стремится передать состояние ребёнка во время игры, когда он ощущает себя и капитаном, и лодкой одновременно. В портретах, изображающих обнажённую натуру, представлены два противоположных типа женщин: трагический (Дона Маар) и безмятежный, ясный (Мари Терез Вальтер).

В большинстве работ этого времени прослеживается одинаковая тематика, одни и те же герои, только отношении между ними постоянно меняются, вызывая ситуации, непонятные зрителю.

В 1937 г. для испанского павильона Всемирной выставки П. Пикассо создаёт знаменитое крупномасштабное произведение «Герника» (Центр искусств королевы Софии, Мадрид), в котором немецкую бомбардировку мирного испанского города художник представляет как апокалипсическую картину всеобщего разрушения и гибели. Протест против агрессии и бессмысленного массового уничтожения людей воплощён в образах матери с ребёнком, плачущей женщины, девушки со свечой в руках, поверженного воина, быка и лошади. Во время работы над «Герникой» отдельные мотивы композиции разрабатываются в рисунках и небольших картинах, среди которых наиболее выразительна «Плачущая женщина» (1937, Галерея Тейт, Лондон), болезненные ощущения переданы через ломкие линии, проходящие по её лицу. Впечатления от испанской гражданской войны воплощены в графической серии «Мечты и ложь генерала Франко», созданной в том же году, что и «Герника». Во время Второй мировой войны мастер находится в оккупированном Париже, где создаёт полотна с изображением насилия и образов смерти («Кошка с птицей», 1939, Музей Пикассо, Париж; «Натюрморт с головой быка», 1939, Музей искусств, Кливленд; «Натюрморт с бычьём черепом», 1942, Художественное собрание земли северной Рейн-Вестфалия, Дюссельдорф; «Бойня», , Музей современного искусства, Нью-Йорк).

В 1944 г. П. Пикассо становится членом коммунистической партии и входит в состав Движения сторонников мира. В свои картины этого периода художник вносит идиллистические, радостные мотивы с чертами примитивизма. В гг. мастер оформляет цементные полы старинного дворца Гримальди в Антибе фигурами кентавров, вакханок и фавна. Вершиной работ этого времени стала пасторальная композиция «Радость жизни» (1946, Музей Пикассо, Антиб). Неприятие войны выражено в работах «Резня в Корее» (1951, Музей Пикассо, Париж), «Война и Мир» (1952, Храм мира, Валлорис).

В конце 1940-х гг. П. Пикассо переезжает в окрестности Канн на юге Франции. С 1961г. находится в особняке Норт-Дам-де-Ви в Мужене. Позже творчество мастера становится разнороднее: это и импровизации на темы классических композиций («Алжирские женщины»,, по Делакруа; «Менины», 1957, по Веласкесу; «Завтрак на траве», , по Э. Мане; «Похищение сабинянок», , по Ж. ), и серии работ («Жаклин в профиль», 1959; «Художник и модель», ; «Художник», 1964; «Мушкетёр с трубкой», 1968), а также интерьеры, пейзажи, портреты, совмещённые с вымыслом и фантазий на театральные и литературные темы («Весна», 1956, Национальный музей современного искусства, Париж; «Мастерская в «Калифорнии»; «Бухта в Канне», 1958- оба в Музее Пикассо, Париж; «Утренняя серенада»,1965, Малый дворец, Женева; «Кавалер с трубкой», 1970, Музей Пикассо, Париж).

Пикассо занимает особое место в художественной культуре XX в. благодаря необыкновенному, исключительному дару мастера, многогранности и широте его творчество, позволившего открыть новое в пластическом искусстве.

Крупнейшего современного французского художника Пабло Пикассо нередко называют «ключом от врат искусства ХХ столетия». В его творчестве словно воплотились все искания, и иногда самые противоречивые, которые свойственны современной художественной жизни Запада.

Особенностью творчества художника на протяжении более чем полувека являются его поражающая изобретательность, сложность и неожиданность формальных поисков, энергичный художественный темперамент.

О Пикассо никто не говорит спокойно: одни его превозносят, другие ругают. Выставки его работ в любом уголке Земли становятся событием, о котором говорят все и везде.

Искусство Пикассо ставит сложные нравственные проблемы перед современным человечеством, и этим вызван постоянный интерес к нему и его творчеству.

preview_end()