Введение. Музыка Древней Руси (стр. 4 )

Тема 15.

Рахманинов как преемник Чайковского. Связи творчества композитора с традициями «Могучей кучки», западноевропейского романтизма.

Тяготение композитора к лирике; патетика и драматизм как характерные черты. Взаимодействие лирики и эпоса.

Народно-музыкальные истоки творчества Рахманинова. Своеобразие музыкального языка при его исходной традиционности.

Многообразие жанровых областей творчества Рахманинова. Первостепенное значение фортепианных жанров; фортепианной музыки Рахманинова к концертности. Приоритетность симфонии в области симфонической музыки. Развитие Рахманиновым традиций лирического романса, лирической мало масштабной оперы, лирической кантаты. Эволюция стиля Рахманинова.

Русский композитор, пианист-виртуоз, дирижёр. Детские годы Рахманинова прошли в усадьбе его родителей в Новгородской губернии. Обучаться музыке он начал с 4 лет под

руководством матери, а в 9 – поступил в Петербургскую консерваторию на младшее отделение. В 12 лет Сережу переводят в Московскую консерваторию,

которую в 1891 г. он оканчивает как пианист (по классу А. Зилоти), а в 1892 – как композитор (по классу С. Танеева и А. Аренского), получив большую золотую медаль. Его дипломная работа –опера «Алеко» (по поэме А. Пушкина «Цыгане») –заслужила одобрение П. Чайковского.

В 1890-е гг. началась исполнительская деятельность Рахманинова, в последствии ставшего одним из величайших пианистов мира. Кроме того, Рахманинов был выдающимся оперным и симфоническим дирижёром (1897–98 – дирижер Московской частной оперы С. Мамонтова, 1904–06 – дирижер Большого театра). В 1900-егг. – выступает как пианист и дирижер в городах Европы и США.

В творчестве Рахманинова 1890-хгг. Особое место занимает фортепианная музыка – прелюдии, музыкальные моменты, этюды-картины, концерты для

фортепиано с оркестром и др. сочинения. Широк

диапазон выраженных в них чувств и состояний. Уже в прелюдии до-диез минор, написанной ещё в юности, сочетаются характерные в дальнейшем для Рахманинова могучая колокольность и стремительное бурное движение. Близкие образы развиты в знаменитом 2-м концерте (1901). Большое внимание в этот период он уделяет и романсам (более 80), обращаясь к стихам многих русских поэтов. Среди них – полный страстного чувства пушкинский «Непой, красавица, примне», кипящие радостью тютчевские «Весенние воды» и др.

Подлинный расцвет творчества Рахманинова наступил в начале XX в. (1901–16 гг.). Постепенно в его музыке усиливаются трагические настроения, связанные с предчувствиями назревающих мировых потрясений. Это ощутимо в операх «Франческа да Римини» (по «Божественной комедии» А. Данте, 1904) и «Скупой рыцарь» (по А. Пушкину, 1904), в фортепианном 3-м концерте, симфонической поэме «Остров мёртвых» и некоторых других произведениях. В декабре 1917 г. Рахманинов уехал в концертную поездку в Швецию и остался за рубежом до конца жизни. Некоторое время он жил в Париже, затем Швейцарии, Нью-Йорке, ас 1935 г. окончательно поселился в Америке. Композитор тяжело переживал разлуку с родиной. Глубоким трагизмом отмечены поздние сочинения, написанные за границей: Рапсодия на темы Паганини для фортепиано с оркестром (1934), 3-я симфония (1936), «Симфонические танцы» (1940). Во время Великой Отечественной войны денежный сбор от одного из своих концертов Рахманинов передал в Фонд обороны СССР. Смерть помешала ему вернуться на родину.

В музыке Рахманинова сливаются традиции, идущие от П. Чайковского и композиторов Могучей кучки. Разлив певучих, по-русски широких мелодий, блистательная виртуозность, подчинённая открытому выражению сильных чувств, соединяются в ней с величавыми эпическими образами Родины, проходящими через всё глубоко национальное по природе творчество Рахманинова.

РАХМАНИНОВ, СЕРГЕЙ ВАСИЛЬЕВИЧ (1873–1943), русский композитор и пианист. Родился 20 марта (1 апреля) 1873 в имении Онег Новгородской губернии. Проявив интерес к музыке уже в четыре года, обучался игре на фортепиано, а в девять лет поступил на фортепианное отделение Санкт-Петербургской консерватории. С 1888 продолжал образование в Московской консерватории, где был учеником и по фортепиано, и по композиции. В возрасте 13 лет Рахманинов был представлен Чайковскому, который позже принял большое участие в судьбе молодого музыканта; Рахманинов же стал горячим приверженцем Чайковского.

В возрасте 19 лет он окончил консерваторию с большой золотой медалью (по композиции) и отправился в большое концертное турне по России как пианист-солист и аккомпаниатор. К тому времени появилась его первая опера – Алеко, Первый фортепианный концерт, ряд романсов, пьесы для виолончели и для фортепиано, в том числе прелюдия до-диез минор, которая принесла композитору всемирную славу. В возрасте 20 лет он стал преподавателем фортепиано в московском Мариинском женском училище, в 24 года – дирижером Московской русской частной оперы Саввы Мамонтова (в течение одного сезона). Хотя Рахманинов рано приобрел известность как композитор, пианист и дирижер, его Первая симфония и Первый концерт на премьерах прошли неудачно, что послужило причиной серьезной нервной болезни. В течение нескольких лет Рахманинов не мог сочинять, и лишь помощь опытного психиатра помогла ему выйти из болезненного состояния.

В 1901 году он закончил свой Второй фортепианный концерт. Его успешная премьера отчасти восстановила веру музыканта в свои силы, и он принял приглашение занять место дирижера в московском Большом театре. После двух сезонов отправился в путешествие по Италии (1906), затем на три года поселился в Дрездене, чтобы полностью посвятить себя композиции. В 1909 Рахманинов совершил большое концертное турне по Америке и Канаде, выступая как пианист и дирижер.

Вскоре после революции 1917 покинул Россию. Местом постоянного жительства избрал США, много гастролировал в Америке и в Европе и вскоре был признан как один из величайших пианистов своей эпохи и крупнейший дирижер. Среди наивысших творческих достижений Рахманинова 4 концерта для фортепиано с оркестром; рапсодия на тему Паганини для фортепиано с оркестром; 3 симфонии и Симфонические танцы; 24 прелюдии и 15 этюдов-картин для фортепиано; поэма «Колокола» для солистов, хора и оркестра (по Эдгару По); симфоническая поэма «Остров мертвых» (по картине Бёклина); хоровые Литургия св. Иоанна Златоуста и Всенощное бдение на канонические церковнославянские тексты; множество романсов. Умер Рахманинов в Беверли-хилз (шт. Калифорния) 28 марта 1943.

Тема 16.

Творчество композиторов русского зарубежья как ветвь отечественной музыкальной культуры.

Стравинский как художник эпического – в широком смысле – плана, создающий в своём творчестве вне - и надличностную картину мира. Эмоциональная сдержанность искусства Стравинского, его тяготение к рационализму. Театральность, характеристичность как существенные черты.

Новаторство Стравинского; радикальное преобразование в его творчестве средств музыкальной выразительности, изменение их традиционного соотношения (выдвижение на первый план ритмического начала при оттеснении мелодического). Творческий универсализм композитора, преломление в его стиле многочисленных и существенно различных художественных влияний. Русские национальные черты искусства Стравинского, его связи с отечественной музыкальной классикой. Интерес композитора к классицизму, барокко и более ранним стилям, творческая переработка выразительных средств музыки прошлого на основе современного музыкального языка.

Эволюция стиля Стравинского. Русский период – ориентация на «Кучкизм», воздействие импрессионизма. Швейцарский период – переход от красочно-живописной к линеарно-графической манере письма. Парижский и американский период - неоклассицизм как основное направление творчества. Поздний период творчества - обращение к серийной технике.

СТРАВИНСКИЙ, ИГОРЬ ФЕДОРОВИЧ (1882–1971), русский композитор. Родился 5 (17) июня 1882 в Ораниенбауме близ Санкт-Петербурга. Вырос в музыкальной семье – отец его был оперным певцом. Пробовал сочинять музыку, не имея специального образования, и лишь в двадцатилетнем возрасте начал брать уроки композиции у Римского-Корсакова. В 1905 опубликовал симфонию, написанную в академическом стиле.

Под влиянием Римского-Корсакова обратился к русскому музыкальному фольклору. Его первое крупное произведение, пронизанное национальными мотивами, появилось после встречи с Сергеем Дягилевым – прославленным балетным импресарио, готовившим ряд спектаклей русского балета в Париже. По его заказу Стравинский написал одну из самых блестящих своих партитур – балет по русской сказке «Жар-птица» (1910).

В следующем году был завершен еще один балет – «Петрушка», где в живых и достоверных образах воссозданы картины русской масленицы. Музыкальный язык «Жар-птицы» и «Петрушки» еще сохраняет связь с прежней традицией, но уже в третьем балете – «Весна священная» (1913), действие которого происходит в древней языческой Руси, Стравинский порывает с музыкальной традицией, свободно используя неразрешенные диссонансы и постоянно меняющиеся ритмы невероятной сложности.

Премьера Весны священной, поставленной «Русским балетом» Дягилева в Париже 29 мая 1913, сопровождалась бурным выражением негодования со стороны части публики. С тех пор имя Стравинского стало символом ультрасовременных тенденций в музыке. Перед началом Первой мировой войны композитор покинул Россию. До 1939 жил во Франции, затем поселился в США.

Добровольное изгнание стало причиной постепенного исчезновения из музыки Стравинского элементов русского фольклора. Русские темы еще присутствуют в партитуре «Истории солдата» (L'Histoire du soldat) для семи инструментов, созданной в годы Первой мировой войны, а также в кантате «Свадебка» (Les Noces, 1920) – стилизации деревенского свадебного гулянья – для солистов, 4 роялей и 17 ударных. Но в более поздних сочинениях уже прослеживается поворот к классицизму и религиозной тематике. Сюда относятся Концерт для фортепиано с оркестром (1924), балет «Аполлон Мусагет» («Apollon Musagete», 1927) и в особенности кантата «Симфония псалмов» («A Symphony of Psalms», 1930). В этот же период композитор создает балеты Пульчинелла («Pulcinella», 1920, на темы Перголези) и «Поцелуй феи» ( «Le Baiser de la fe», 1928, на темы Чайковского). Его Симфония в трех частях («Symphony in Three Movements», 1945) – синтез неоклассицистской манеры и революционного стиля «Весны священной».

Наиболее полно художественный аскетизм Стравинского проявился в «Царе Эдипе» (Oedipus Rex, 1927), опере-оратории на латинский текст; скупыми техническими средствами композитор достигает необычайного драматизма. В 1951 Стравинский написал оперу «Похождения повесы» («The Rake's Progress», по серии нравоучительных гравюр Уильяма Хогарта) – сочинение, которое знаменует еще одну стилистическую линию его творчества: элементы комедии, моралите и мелодрамы сливаются в шутливо-назидательное целое. Умер Стравинский в Нью-Йорке 6 апреля 1971.

Балет "Петрушка" — одно из самых известных произве­дений Стравинского. Его замысел возник из Концертштюка для фортепиано с оркестром. Сочиняя его, композитор, по его словам, представлял себе игрушечного плясуна, который "своими каскадами дьявольских арпеджио выводит из тер­пения оркестр... Получается угнетающая схватка, которая, дойдя до высшей степени возбуждения, заканчивается скорб­ным и жалобным изнеможением бедного плясуна". Ко­гда Стравинский сыграл это произведение Дягилеву, тот с энтузиазмом воскликнул: "Да ведь это же балет! Ведь это Петрушка!". Так возникла идея балетного спектакля. Его сценарий написал художник Александр Бенуа. Он же стал автором декораций и костюмов. Партию главного героя на премьере гениально исполнил Вацлав Нижинский. "Я ни­когда потом не видел такого Петрушку", — говорил впо­следствии балетмейстер-постановщик Михаил Фокин.

Действие балета происходит в 30-е годы XIX века на Адмиралтейской площади в Петербурге во время масленич­ного гулянья, будто списанного с натуры, — настолько ярко, красочно, достоверно изображены народные сцены. Это не­удивительно, ведь в балете отразились любимейшие детские впечатления авторов. В детстве Сашу Бенуа и Игоря Стра­винского водили на масленой неделе на простонародные уве­селения, как говорил впоследствии Бенуа, "учиться России".

Тема 17. Русская музыка ХХ века. .

ХХ век как новая эпоха в истории музыки. Радикальное обновление выразительных средств, переход от единой в своей основе системы музыкального языка к множественности языковых систем. Одновременно существующее расширение связей с музыкой различных предшествующих периодов и направлений.

Вопросы периодизации истории русской музыки после 1917 года. Стилевой плюрализм музыки 20-х годов. Искусственные ограничения творчества композиторов в 30-50-е годах. Их постепенное преодоление и, как результат, стилевой перелом в музыке 60-90-х годов.

Приоритетное положение массовой песни, оперы ораториально-кантатных и симфонических жанров на протяжении 20 – 50-х годов; выдвижение в 60 – 90-е годы на первый план также хоровых жанров и камерной музыки.

Новизна жанра массовой песни для русской профессиональной музыки: разнообразие тематики, значимость гражданских мотивов, роль песни-марша и лирической песни. Новые явления этого периода – авторская песня, рок.

Сюжетное разнообразие оперы при преобладании гражданской тематики.

Октябрьская революция 1917 года внесла коренные из­менения в судьбу России. Привычный, устоявшийся мир рух­нул. Начались интенсивные радикальные реформы во всех сферах — политической, социальной, экономической, куль­турной. Как жизнь, так и искусство в то время были полны противоречий. С одной стороны, революция считала себя при­званной направлять помыслы людей на преобразование жиз­ни, на воспитание высоких душевных качеств человека, ста­вила своей задачей сделать ценности мировой и отечествен­ной культуры достоянием широких народных масс. С дру­гой же — разрушались храмы, памятники, уничтожались богатейшие усадебные библиотеки, художественные коллек­ции, на долгое время от людей были отлучены церковная музыка, творчество ряда выдающихся писателей, компози­торов. Многие видные деятели искусства, науки, философы, богословы были либо сосланы, либо расстреляны, либо эми­грировали. Поредели ряды русских музыкантов. За рубеж уехали Рахманинов, Зилоти, Шаляпин, Метнер, Гречанинов, несколько позже — Глазунов. С начала первой мировой вой­ны за границей оказался Стравинский. Более пятнадцати лет провел в отрыве от родины Прокофьев.

Все это, наряду с тяжелейшим военным и экономичес­ким положением государства, могло привести к упадку, кри­зису искусства. Однако этого не произошло.

Взаимодействие в творчестве Мясковского традиций московской и петербургской школ русской классики; близость некоторых его произведений экспрессионизму. Главенство лирико-драматического начала, эпизодическое в целом значение эпической и жанровой образности. Опосредованная в большинстве случаев связь с народной музыкой, бытовыми жанрами. Симфоническая и камерная инструментальная музыка как основные области творческой деятельности Мясковского; симфония и квартет как ведущие жанры. Приоритетность лирико-драматических и лирико-жанровых концепций. Преобладание тематизма инструментального типа. Новаторские черты музыкального языка при тяготении композитора к традиционным формам 9в первую очередь к сонатно-симфоническому циклу), мотивно-разработочным приемам развития. Существенная роль полифонии.

ГЛИЭР, РЕЙНГОЛЬД МОРИЦЕВИЧ (1875–1956), русский композитор. Родился 30 декабря 1января 1875) в Киеве, учился в Московской консерватории (1894–1900). Был директором Киевской консерватории (1914–1920), преподавал композицию в Московской консерватории (до 1941). В 1938 стал председателем Союза советских композиторов. Среди самых известных произведений Глиэра – симфония «Илья Муромец» (1910), балет Красный мак (1927) и опера «Шахсенем» (1925). Глиэр собирал народную музыку кавказских и других республик Советского Союза и, кроме сочинений крупной формы, создал немало романсов и фортепианных пьес. Умер Глиэр в Москве 25 июня 1956.

Тема 18.

Активное жизнеутверждение как определяющая черта искусства Прокофьева. Гармоничность создаваемой им картины мира и ее многогранность.

Жанровая универсальность творчества Прокофьева; первостепенное значение как музыкально-театральных, так и инструментальных произведений.

Национальные корни творчества композитора. Многообразие его связей с традициями и его радикальное новаторство. Преломление в искусстве Прокофьева стилевых направлений XX века (неоклассицизм).

Показательность для стиля Прокофьева тематизма традиционного типа. Примат экспозиционности; как следствие его, обновление традиционных форм.

Оперное творчество. Разнообразие сюжетов и жанров. Жанровый синтез как существенная черта некоторых произведений. Трактовка оперы как музыкальной драмы. Использование различных приемов вокального письма при первостепенной роли декламационности. «Сквозная» композиция как норма, широкое применение лейтмотивов. Соотношение вокальных и оркестровой партий. Эволюция оперного творчества композитора. Его связи с традициями (прежде всего русской классики).

Балетное творчество. Разнообразие сюжетов и жанровых решений, нетрадиционность некоторых из них. Понимание балета как драмы наряду с трактовкой его как условно-сюжетного хореографического представления. Обращение в некоторых случаях к традиционной хореографии. Приоритетность «номерной» композиции, широкое применение лейтмотивов.

Симфоническое творчество. Жанры симфонии и сюиты как ведущие. Традиционная трактовка жанра симфонии (в частности, в отношении формы). Развитие в симфониях Прокофьева традиций как драматического, так и эпического симфонизма. Использование различных приемов развития тематизма при существенной роли вариационности (вариантности).

Камерное инструментальное творчество. Фортепианная музыка как его главная область. Первостепенное значение как крупных произведений, так и миниатюр. Сонаты Прокофьева – важная веха в истории жанра. Тяготение композитора к традиционной форме сонаты. Типичное для Прокофьева обилие резких образных контрастов в сонатах; разнохарактерность музыки миниатюр. Особенность пианизма Прокофьева. Индивидуальная трактовка камерного инструментального ансамбля в отношении исполнительского состава (соната для двух скрипок), характера музыки (эпический образ в скрипичной сонате).

ПРОКОФЬЕВ, СЕРГЕЙ СЕРГЕЕВИЧ (1891–1953), русский композитор, пианист и дирижер. Родилсяапреля 1891 в Сонцовке Екатеринославской губернии. В шесть лет сочинял циклы маленьких фортепианных пьес, в девять стал автором детской оперы. Пройдя подготовительный курс с , Прокофьев в возрасте 13 лет поступил в Петербургскую консерваторию (окончил по классу композиции в 1909, по классу фортепиано – в 1914). Его учителями были , -Корсаков, , и другие. Оканчивая консерваторию по классу фортепиано, он сыграл с оркестром свой Первый фортепианный концерт и получил почетную премию имени . Музыка Прокофьева стала предметом ожесточенных споров в музыкальных кругах. Для его ранних сочинений характерны гротесковость, сатирические мотивы; это музыка принципиально антиромантическая, зачастую – жестко звучащая, пронизанная диссонансами, очень энергичная в ритмическом отношении. Наиболее примечательны в этом периоде балет «Шут» (Сказка про шута, семерых шутов перешутившего, 1915), опера «Игрок» по одноименному роману Достоевского (1915–1916), несколько инструментальных концертов и сонат, «Скифская сюита» (1915) и кантата «Семеро их» (1917). Один из шедевров раннего Прокофьева – его Классическая симфония (1917), образец «новой простоты»: ею композитор словно продемонстрировал критикам свое блестящее владение неоклассическим стилем. В 1918 он отправился на гастроли в США, где в 1919 завершил комическую оперу «Любовь к трем апельсинам». К этому времени относится также великолепный Третий фортепианный концерт. В 1922 Прокофьев переселился в Германию, а в 1923 перебрался в Париж, где провел следующее десятилетие, выезжая в длительные концертные турне по странам Европы и по Америке (он выступал как пианист и как дирижер). В Париже антреприза Сергея Дягилева «Русский балет», которая еще в 1921 показала прокофьевского «Шута», поставила его следующие балеты – «Стальной скок» (1927) и «Блудный сын» (1928). В 1925–1931 появились Вторая, Третья и Четвертая симфонии и Четвертый и Пятый фортепианные концерты, в которых стиль Прокофьева достиг пика напряженности и остроты. В 1933 Прокофьев вернулся в Россию. В последующие годы он много работал в разных жанрах; среди сочинений этого периода – балеты «Ромео и Джульетта» (1935), «Золушка» (1944); детская сказка для чтеца и оркестра «Петя и волк» (1936); музыка к кинофильмам «Поручик Киже» (1934), «Александр Невский» (1938) и «Иван Грозный» (1945). Во время Великой отечественной войны и после нее он создал ряд патриотических произведений, а также оперы «Обручение в монастыре» по комедии Шеридана (1940–1941) и «Война и мир» по роману Толстого (1941–1942), несколько камерно-инструментальных ансамблей, много фортепианной музыки разных жанров. После войны состоялись премьеры Пятой (1945), Шестой (1947) и Седьмой (1952) симфоний. В 1948 Прокофьев подвергся нападкам за «формалистический» стиль музыки и симпатии к «вырождающемуся» искусству Запада (что не помешало ему в 1951 получить Сталинскую премию, шестую по счету). Умер Прокофьев в Москве 5 марта 1953.

ПРОКОФЬЕВ Сергей Сергеевич

1891 – 1953

Советский композитор, пианист и дирижёр, народный артист РСФСР (1947), лауреат Ленинской (1957) и шести Государственных премий СССР. Родился Прокофьев в Солнцовке Екатеринославской губернии (ныне Донецкая обл.). Играть на фортепиано и сочинять начал с пятилетнего возраста (сначала под руководством матери, затем Р. Глиэра). В 13 лет при

поступлении в Петербургскую консерваторию представил на экзамены более 50 пьес для фортепиано и 3 оперы. Прокофьев обучался в консерватории по трём специальностям: композиции, фортепиано и дирижированию (1904–14). По окончании он был удостоен почётной премии имени А. Рубинштейна. Уже в те годы музыка композитора поражала свежестью, вызывала бурные споры. Одно за другим появлялись его сочинения: 1-йи 2-й концерты для фортепиано, вокальная сказка «Гадкий утёнок» (по Андерсену), оркестровая Скифская сюита, Классическая симфония, ряд замечательных фортепианных миниатюр и циклов («Сарказмы», «Мимолётности»). Концертная деятельность Прокофьева началась еще в 1908 г.

В 1915 г. он выезжал в Италию, а весной 1918 г., с разрешения Советского правительства, отправился на длительные гастроли за границу (Япония, США, Франция). Прежде всего он быстро завоевал славу оригинального мастера-исполнителя. Под управлением Прокофьева шли также премьеры его опер, балетов, симфонических произведений (опера «Игрок» по Ф. Достоевскому, 1916; «скомороший» балет «Сказка про шута, семерых шутов перешутившего» по русским народным сказкам, 1915). В Америке прошла премьера его оперы «Любовь к трём апельсинам» (1921), а по заказу организатора Русских сезонов С. Дягилева были написаны балеты «Стальной скок» (1925) и «Блудный сын» (1928), поставленные с участием русских артистов.

Пребывание Прокофьева за рубежом затянулось до 1932 г. После возвращения на родинукомпозитор продолжает напряжённо трудиться. Творчество Прокофьева получает мировое признание. Огромную славу завоевала музыка к историко-патриотическому фильму С. Эйзенштейна «Александр Невский» (1938), балеты, ставшие советской классикой: «Ромео и

Джульетта» (1936), «Золушка» (1944), – опера «Семён Котко» (1939), фортепианные и

скрипичные концерты, кантаты, симфоническая сказка для детей «Петя и волк» (1936) идр.

В годы Великой Отечественной войны Прокофьев находился в эвакуации, но продолжал интенсивно работать. В эти годы усиливается патриотическая направленность его творчества:

О непобедимости великой России повествует монументальная опера «Война и мир» (1941–43), музыка к фильму «Иван Грозный» (1945), 5-я и 6-я симфонии (1944, 1947). В поздних сочинениях Прокофьев стремится к большой ясности и простоте художественных образов. Это – оратория «Настраже мира» (1950), балет «Сказ о каменном цветке» (1950), опера «Повесть о настоящем человеке» (1948), 7-я симфония, посвящённая советской молодёжи (1952). В послевоенные годы композитор мало концертировал. Последнее дирижерское выступление состоялосьв 1945 г., ас 1946 по совету врачей он жил в поселке Николина Гораблиз Звенигорода, где и скончался 5 марта (в один день со Сталиным).

Могучая, жизнерадостная и светлая музыка Прокофьева, отразившая все многообразие духовной жизни человека, соединила в себе лучшие национальные традиции с ярким новаторством в создании образов советской современности.

Тема 19.

Широкое развитие в музыке Шостаковича различных образных сфер при ведущей роли драматических концепций. Жанровое разнообразие творчества композитора при тяготении к инструментальным жанрам; симфоническая и камерная инструментальная музыка как главные области творческой деятельности. Широкая музыкально-бытовая основа творчества Шостаковича, воздействие на него русского фольклора. Связь с различными традициями русской и зарубежной музыки. Шостакович как новатор. Предпочтение тематизма инструментального типа. Разнообразие приемов тематического развития; формирование музыкальной ткани посредством длительного «развертывания» исходных интонаций как показательной для стиля Шостаковича принцип. Существенная роль полифонии.

Симфоническое творчество. Главенство жанра симфонии. Его как традиционная, так и нетрадиционная трактовка. Разнообразие композиционных решений; обновление сонатной формы и сонатно-симфонического цикла в целом. Тяготение композитора к драматическому симфонизму при существенной роли лирической и эпической образности. Эволюция жанра симфонии в творчестве Шостаковича; синтез в некоторых произведениях черт симфонии и оратории-кантаты.

ШОСТАКОВИЧ Дмитрий Дмитриевич

1906 – 1975

Советский композитор, пианист, педагог, музыкальнообщественныйдеятель,

народныйартистСССР (1954), лауреатЛенинской (1958) ишестиГосударственныхпремий, ГеройСоциалистическогоТруда

(1966). Родился Шостакович в Петербурге. Начальное музыкальное образование получил в Петроградской музыкальной школе И. Глассера (1916–18). Тринадцатилетним мальчиком

пришел в Петроградскую консерваторию. Несмотря на житейские трудности, Шостакович

учился в консерватории с увлечением, совмещая две специальности: пианиста и композитора. На последних курсах он работал пианистом-иллюстратором в кинотеатре (кино тогда еще было немым). В 1923 г. Шостакович окончил консерваторию по фортепиано, в 1925 г. – по композиции. Его дипломная работа – 1-я симфония – удивила музыкантов редким сочетанием

непосредственности, легкости и вполне зрелого мастерства.

В течение ряда лет Шостакович выступал как пианист – на Первом Международном конкурсе

пианистов им. Ф. Шопена в Варшаве он был награждён почётным дипломом (1927). Втечение

трехлет (1927–30) Шостакович совершенствовался по композиции в аспирантуре у М. Тейнберга, с середины 30-хгг. посвятил себя преимущественно композиторской работе. Много сил отдал Шостакович и педагогической деятельности: сначала в Ленинградской (с 1939 – профессор), а затем в Московской консерваториях; в 1963–1966 гг. руководил аспирантурой в Ленинградской консерватории (среди учеников – Г. Свиридов, К. Караев, К. Хачатурян, Б. Тищенко и др.). В 1965 г. ему была присуждена ученая степень доктора искусствоведения.

Видный общественный деятель Шостакович был с 1932 г. одним из основателей и членов правления Ленинградского отделения Союза кмпозиторов (СК), с 1957 г. – секретарем СК СССР, в 1960–68 гг. – председателем правления СК РСФСР. Шостакович являлся членом Советского комитета защиты мира (с 1949), Славянского комитета СССР (с 1942), Всемирного комитета защиты мира (с 1968), президентом общества СССР в Австрии (с 1958), почетным

членом ряда зарубежных академий искусств, почетным доктором многих университетов.

Почти 50 лет продолжалась активная творческая деятельность композитора. Шостакович работал во многих жанрах. Его перу принадлежат оперы «Нос» (по Гоголю) и «Катерина

Измайлова» (поЛескову), балеты «Золотой век», «Болт», «Светлый ручей», концерты для фортепиано, скрипки, виолончели с оркестром, хоровые сочинения (среди них Десятьпоэм для хора без сопровождения на стихи русских революционных поэтов), вокальные, камерно-

Инструментальные произведения (15 квартетов, трио, квинтет), музыка к кинофильмам («Встречный», «Овод», «Гамлет») и др.

Особенно велико значение Шостаковича – симфониста. В его 15 симфониях воплощены глубокие философские концепции, сложный мир человеческих переживаний, острые, трагические конфликты. В осаждённом Ленинграде композитор написал свою 7-ю (Ленинградскую) симфонию. Её драматургия основана на резком образном конфликте, темы Родины и темы фашистского нашествия. 11-я (1957) и 12-я (1961) симфонии, посвящённые Революции 1905 г. и Октябрьской революции 1917 г., ознаменовали обращение Шостаковича к программности.

А последнюю, 15-юсимфонию (1971), можно считать музыкальной автобиографией композитора.

Музыка Шостаковича, композитора, наделенного ярчайшей творческой индивидуальностью и неповторимым почерком художника - мыслителя и гражданина, стала классикой советской и мировой музыкальной культуры XX в.

Тема 20. Композиторы последней трети XX века

.

Образная многогранность творчества Щедрина при внеличностной в целом художественной позиции композитора, роль драматических концепций, широкий жанровый диапазон при тяготении к театральности.

Эволюция творчества Щедрина от неофольклоризма к трансформации и синтезу различных стилевых элементов. Многосоставность интонационного строя. Связи с различными традициями русской и зарубежной музыки (в особенности XX века). Использование различных систем композиторской техники при тональной в большинстве случаев основе музыки. Различные типы тематизма и приемы развития; важная роль вариантности (вариационности). Существенное значение полифонии.

Музыкально-театральное творчество. Тяготение композитора к лирико-драматической трактовке оперы и балета. Различное соотношение музыки и сценического действия в разных произведениях. Превалирование вокального начала в операх; эволюция его от песенности к напевно-декламационному складу. Симфонизм балетов; использование в них типичных для инструментальной музыка композитора тематизма и приемов его развития.

Вокально-симфоническое и хоровое творчество. Сюжетное разнообразие вокально-симфонических произведений Щедрина. Традиционная трактовка жанра в одних произведениях и нетрадиционная в других. соотношение вокального и симфонического начал. Взаимодействие напевности и декламационности в вокальных партиях. Различные жанры хоровой музыки; разнообразие приемов хорового письма.

Симфоническое творчество. Тяготение к симфонизму эпического типа при возрастающем (по мере эволюции стиля Щедрина0 значении драматического начала. Основные жанры: симфония, концерт для оркестра, сюита. Отказ композитора в симфониях и оркестровых концертах от традиционных форм симфонической музыки.

Концерт. Проявление в концертной музыке Щедрина общей эволюции его стиля. Сохранение в концерте традиционного соревнования солиста-виртуоза и оркестра; переход от традиционной формы первого концерта для фортепиано к нетрадиционным структурам в поле поздних произведениях.

Камерно-инструментальное творчество. Приоритетность фортепианной музыки. Разнообразие ее содержания и жанров. Существенное значение полифонических жанров.

СВИРИДОВ Георгий Васильевич 1915 – 1991

Советский композитор, пианист, музыкально-общественный деятель, народныйартистСССР (1970), лауреатЛенинской (1960) и трех Государственных премий СССР, Герой Социалистического Труда (1975). Свиридов родился в городке Фатеж Курской губернии. Отец его был почтово-телеграфным служащим, мать – учительницей. Первые впечатления детских лет у будущего композитора были связаны с природой средней степной полосы России, с русским крестьянским трудом и бытом, а также с революцией. Свиридовне просто был свидетелем истории нашей страны, революционные события вторглись и непосредственно в его

жизнь: в 1919 г. его отца убили деникинцы, и семья переехалавКурск.

Музыкой начал заниматься с 9 лет, брал уроки фортепиано, играл в оркестре народных инструментов, пытался сочинять. Когда ему было уже 14 лет, он принял решение поступить в музыкальнуюшколу. В 1932 г. Свиридов уезжает в Ленинград и поступает в музыкальный техникум по классу фортепиано.

В Ленинграде он впервые соприкоснулся со средой профессиональных музыкантов, впервые стал бывать на концертах и спектаклях, а также узнал, что можно учиться сочинению музыки и для этого существует композиторское отделение, куда он перевелся в мае 1933 г.

В 1936 г. Свиридов поступил в Ленинградскую консерваторию по классу композиции, гдеучился у П. Рязанова и Д. Шостаковича. Тогда же он стал членом Союза композиторов и

получил стипендию им. А Луначарского. После окончания консерватории Свиридов работал в Новосибирске (1941–44), а после войны – активно участвовал в общественной жизни страны: в 1962 и 1986 гг. избран секретарем правления СК СССР, ав 1968–74 гг. – был первым секретарем СК РСФСР. Свиридов неоднократно представлял советское музыкальное искусство за рубежом.

Свиридов внёс вклад в развитие симфонической и фортепианной музыки: мировую известность приобрели инструментальные сочинения 1960–70-хгг.: «Маленький триптих» для оркестра, Музыка дл якамерного оркестра и, особенно, музыкальные иллюстрации к повести А. Пушкина «Метель». Однако центральное место в творчестве Свиридова занимают жанры, связанные со словом (вокальные). Ещё в середине 30-хгг. XX в. приобрёл известность его циклромансовнастихиА. Пушкина (автору тогда еще не было и 20 лет). Вокальная поэма «Страна отцов» (1950) и цикл песен на словаР. Бёрнса (1955) знаменуют творческую зрелость композитора.

В эпических произведениях – Поэме памяти Сергея Есенина (1956), Патетической оратории (1959), кантате «Курские песни» (1964) – ярко выражено высокое этическое начало творчества Свиридова, главная тема которого – Родина. Наследуя и самобытно претворяя в своей музыке многовековые традиции русской певческой культуры (отличительными чертами его творчества являются опора на народную песенность и демократичность музыкального языка).

Денисов.Живописные образы в сочинениях Денисова предстают в изысканной цветовой гамме, краски которой отражены в названиях: "Жизнь в красном цвете" для голоса и инстру­ментального ансамбля на слова французского писателя XX века Бориса Виана, "Знаки на белом" для фортепиано, "Голубая тетрадь" для сопрано, чтеца, скрипки, виолончели, двух фортепиано, трех групп колоколов на стихи А. Введен­ского и Д. Хармса, "Черные облака" для вибрафона. Назва­ния других сочинений вызывают пейзажные ассоциации: "Пейзаж при свете луны" для кларнета и фортепиано, "На пелене застывшего пруда" для девяти исполнителей и маг­нитофонной ленты, "Зимний пейзаж" для арфы, "Колокола в тумане" для оркестра. Некоторые произведения навеяны творчеством художников — оркестровая пьеса "Живопись" по картине московского художника Б. Биргера, "Три карти­ны Пауля Клее" для альта и камерного ансамбля2.

Создавая эти сочинения, Денисов стремился найти та­кие выразительные средства, которые способны передать в звуках все богатство красок природы и живописи.

Свое творчество композитор посвятил служению красо­те. "Красота — одно из самых важных понятий в искусст­ве", — говорил он. И главным источником красоты для него стала природа. "Я могу по-настоящему работать — сво­бодно и легко — только тогда, когда у меня есть прямой контакт с природой. Я должен быть один, а перед окном должны либо шелестеть листья и подлетать ко мне птицы, либо я должен видеть чистый снег и лучи солнца, окрашива­ющие его в бесконечно разнообразные и незаметно меняю­щиеся краски", — писал Денисов в своих записных книж­ках.

"Бесконечно разнообразные и незаметно меняющиеся краски", тончайшая изысканность звучания являются ха­рактерными чертами музыки композитора. Его излюблен­ные ремарки в нотах — (1о1се, (1о1с138Ш1О (нежно, нежнейше), 1е&§1его (легко), езргеззг^о (выразительно).

Техника музыкального письма в сочинениях Денисова преимущественно сонорная. Слух не ощущает в них при­вычных музыкальных форм, мелодии, аккордовых последо­вательностей, отчетливого метроритма. Главными вырази­тельными средствами оказываются колористические свой­ства гармонии, тембра. Композитор говорил, что "иногда тембр становится более выразительным, чем интонация". Музы­кальная ткань образуется из отдельных, будто застывших созвучий, внезапных звуковых "уколов", жужжащих диссо-нантных трелей, пересекающихся хроматических линий. В музыке возникают "шорохи", "всплески", "искры". Вот при­мер из пьесы "Диана в осеннем ветре" из цикла "Три кар­тины Пауля Клее":

Альфред Гарриевич Шнитке (1934 — 1998) — один из выдающихся композиторов второй половины XX века. Его музыка — это сложный, трагический мир. Она отражает наще время, противоречивое, дисгармоничное. "Сама по себе жизнь, все, что нас окружает, настолько пестро... что мы будем бо­лее честны, если попытаемся все это отразить. Пусть слуша­тель сам решает, что он понимает, а что нет" — так опреде­лил композитор свою творческую миссию.

Основными жанрами в творчестве Шнитке являются сим­фонические и камерные инструментальные произведения: симфонии, концерты для различных инструментов, пьесы для оркестра, кончерто-гроссо, фортепианный квинтет, квартеты, струнное трио, Гимны для ансамбля и ряд других. Есть у него сценические произведения — балеты "Лабиринты", "Эс­кизы", "Пер Гюнт", хоровая и камерная вокальная музыка. Шнитке писал музыку для театра, кино. Она звучит в кино­фильмах "Экипаж", "Маленькие трагедии", "Белый пудель", "Агония", в мультфильмах. Всего Шнитке написал музыку к 30-ти кинофильмам.

Альфред Шнитке родился в городе Энгельсе (ныне Са­ратовская область). Первые уроки музыки будущий компо­зитор получил в Вене, где его отец работал переводчиком в газете. Затем он поступил в музыкальное училище имени Октябрьской революции в Москве на хоровое отделение.

В 50-е годы Шнитке учился в Московской консервато­рии в классе сочинения профессора и у него же занимался в аспирантуре. С консерваторией Шнитке был связан и в дальнейшем — до 1972 года вел класс компози­ции.

Уже в студенческие годы он стал изучать новую компо­зиторскую технику, увлекался додекафонией. Интерес к музыке западного авангарда особенно усилился после того, как Шнитке удалось прослушать много интересных запи­сей, привезенных Эдисоном Денисовым с зарубежных фес­тивалей, а также после встречи с итальянским композито­ром Луиджи Ноно, который в 60-е годы неоднократно посе­щал нашу страну и присылал молодым композиторам мно­жество книг, нот, записей современной музыки. Однако ак­тивный поиск новых музыкальных средств не был для ком­позитора самоцелью. В своих произведениях он ставил пе­ред собой не только чисто технические задачи, но и "нрав­ственно-моральные проблемы". Так, дипломной работой ком­позитора в консерватории стала оратория "Нагасаки" о страшных событиях 1945 года, когда американцы сбросили атомные бомбы на японские города Хиросиму и Нагасаки. С этими же событиями связан сюжет оперы "Счастливчик" о трагической судьбе американского летчика Клода Изерли, участника бомбежки Хиросимы, который потребовал от лю­дей суда над собой за совершенное злодеяние.

Вступление в пору творческой зрелости ознаменовалось созданием Второго скрипичного концерта (1966). Сочиняя его, Шнитке имел в виду Евангелие с его вечной темой стра­дания, смерти и воскресения. Солирующая скрипка и струн­ные инструменты символизируют в этом произведении Иису­са Христа и его учеников, а контрабас, духовые, ударные и фортепиано — Иуду и враждебную к христианам толпу.

В последующих произведениях содержание музыки Шнитке становится все более сложным, трагичным. Совре­менный мир воплощается как пестрый многомерный хаос, в котором смешалось все — добро и зло, жизнь и смерть, воз­вышенное и вульгарное, вера и цинизм. Для музыкального стиля характерными становятся приемы полистилисти­ки и коллажа.

Видным представителем современной отечественной музыки является София Асгатовна Губайдулина. Основная тема ее творчества — духовная жизнь всех времен и наро­дов. Она раскрывается через метафоры, символику, и это обычно отражается в названиях, указывающих направле­ние авторской мысли, например: "РегсерИоп" ("Восприятие"), "Китоге е зИепгю" ("Шум и тишина"), "У1уеп1;е — поп УгуепЪе" ("Живое — неживое"), "Звуки леса", "В начале был ритм". Многие названия пишутся на латыни, что, по мне­нию Губайдулиной, создает ощущение отвлеченности, не­конкретности, подобно самой музыке.

Есть у композитора и сочинения другого рода: 15 пьес по мотивам татарского фольклора для домр с фортепиано, обработки русских народных песен для эстрадного оркестра, цикл фортепианных пьес для детей "Музыкальные игруш­ки", музыка к двадцати кинофильмам, среди которых такие известные, как "Маугли", "Чучело", "Кошка, которая гуляла сама по себе".

С. Губайдулина родилась в 1931 году в городе Чистопо­ле в русско-татарской семье, и самобытное татарское искус­ство, наряду с русским, было той почвой, на которой вырас­тал талант композитора.

С ранних лет музыка являлась для Софии главной внут­ренней потребностью. "Я чувствовала себя хорошо, только переступая порог музыкальной школы. С этого момента я находилась в священном пространстве: звуки, шедшие из аудиторий, образовывали некий политональный сонор". Ей хотелось стать пианисткой и в то же время научиться сочинить и записывать музыку. Поэтому в период учебы в Казанской консерватории по классу фортепиано Губайду­лина активно занималась и композицией у композитора . А затем поступила в Московскую консерва­торию в класс композиции Николая Ивановича Пейко и за­вершила свое композиторское образование в аспирантуре у Виссариона Яковлевича Шебалина.

Круг музыкальных интересов Губайдулиной был широк: пианисты Софроницкий, Рихтер, творчество Вагнера, Чайков­ского, Мусоргского, Шостаковича, Прокофьева, Стравинского и особенно . Большой интерес вызывала совре­менная зарубежная музыка. Общение с друзьями по учебе Денисовым, Шнитке, получавшими из-за рубежа ноты, плас­тинки, позволяло быть в курсе событий, происходивших в музыкальном мире.

Одной из первых творческих удач Губайдулиной стали Пять этюдов для арфы, контрабаса и ударных (1965). Соче­тание ударных инструментов с различными другими всегда привлекало композитора. Еще в консерваторские годы она написала пьесу для восьми труб, шестнадцати арф и удар­ных. А в дальнейшем активное творческое сотрудничество с Ансамблем ударных инструментов Марка Пекарского привело к появлению интересных произведений. Среди них "Музыка для клавесина и ударных инструментов из кол­лекции Марка Пекарского"; "Веио-1" ("Сказанное") — со­ната для органа и ударных; "ВеШ)-П" — для виолончели, квинтета духовых, двух ударников, челесты и струнного квин­тета; "Час души" для солирующих ударных, меццо-сопрано и симфонического оркестра на стихи Марины Цветаевой и некоторые другие сочинения.

Сергей Михайлович Слонимский (родился в 1932 году) — композитор, пианист, музыковед, профессор Петербургской консерватории. Он автор более ста пятидесяти произведе­ний, и премьеры большинства из них становились событи­ем нашей музыкальной жизни. Среди его сочинений — опе­ры, симфонии, балет "Икар", многочисленные хоровые, ка­мерно-вокальные циклы, инструментальные сочинения, а также произведения для детей.

Круг художественных интересов композитора широк. Он обращается к отечественной прозе (оперы "Виринея" по по­вести Л. Сейфуллиной, "Мастер и Маргарита" по роману М. Булгакова), к историческим сюжетам (оперы "Мария Стюарт", ""), к античности (балет "Икар", опера "Царь Иксион", симфоническая поэма "Апол­лон и Марсий"). "Божественная комедия" Данте вдохнови­ла его на создание Первой симфонии, "Гамлет" Шекспира стал сюжетом одноименной оперы. Вокально-симфониче­ский х{икл "Песни вольницы" написан на народные тексты; библейские стихи легли в основу вокально-хоровых сочине­ний "Песнь песней", "Псалмы Давида". Композитор обра­щается к древнеиндийским, японским, средневековым, узбек­ским стихам, к поэзии Блока, Ахматовой, Мандельштама, Есенина, Хармса, Бродского.

Однако у Слонимского есть произведения другого ха­рактера: джазово-камерный Концерт-буфф, Концерт для симфонического оркестра, трех электрогитар и солирующих инструментов, в котором использованы элементы стилей джаза и рок-музыки, Праздничная музыка для балалайки, ложек и симфонического оркестра, Экзотическая сюита для двух скрипок, двух электрогитар, саксофона и ударных. Ком­позитор, как упоминалось, является автором прекрасной музыки для детей. Он написал для них несколько альбомов фортепианных пьес в две и четыре руки.

Сын известного писателя, Слонимский унаследовал его литературный дар. Им написаны статьи о композиторах книга о симфониях Прокофьева. В 2000 году вышла из пе­чати его книга "Бурлески, элегии, дифирамбы в презренной прозе". В ней автор рассказывает о себе, об эпохе, в которой живет, о людях, размышляет о музыке, о нравственных про­блемах. Пишет живо, точно, образно. О себе — в шутливо-ироническом тоне, как, например, о скерцо своей Первой симфонии: «В роли скерцо выступает фокстрот, его пооче­редно догоняют, перебивают официозный марш, цыганочка, частушки. В трио гниет романтический вальс. Затем все легкожанровые „мелкие бесы" соединяются». Обо всем ос­тальном — глубоко, серьезно: "Умеет жить пошлость. Жи­вущий не так, как все, обречен. Но там, где гибнет человек, недалеко и до гибели всего народа, всего человечества..."

Сергей Слонимский является одним из выдающихся представителей отечественной культуры. Он, по словам сво­его современника, "входит в музыкальную элиту Европы и всей планеты".

Борис Иванович Тищенко (родился в 1939 году). Его сравнивали с молодым Прокофьевым, Маяковским. Слонимский писал о нем: "Есть в этом музы­канте жадный, неутолимый интерес к жизни. Тищенко... восторженно смотрит на окружающее".

В аспирантуре Ленинградской консерватории его руко­водителем был Шостакович, оказавший сильное влияние на молодого музыканта. В дальнейшем Тищенко не раз обра­щался к творчеству своего великого учителя. Он сделал фортепианное переложение Первой симфонии, отредактиро­вал и участвовал в исполнении юношеского трио. Общение с Шостаковичем во многом определило его интерес к клас­сическим жанрам. Он пишет симфонии, программные сим­фонические произведения ("Суздаль", "Палех"), концерты для фортепиано, для скрипки, для виолончели, для флейты, для арфы с оркестром, сонаты для фортепиано, скрипки, виолон­чели, квартеты. Обращаясь к этим жанрам, композитор об­наруживает яркую творческую индивидуальность, воспри­имчивость к стилистическому многообразию современного искусства.

Ему свойственно научное осмысливание музыки прошло­го и настоящего, Востока и Запада. Он проводит экспе­рименты со звуком, с разными приемами композиторской техники, изучает даже такое экзотическое искусство, как японское "гагаку". Шостакович говорил о Тищенко: "Он весь в музыке: основательно знает и старинных композито­ров, и сочинения современных авторов, и народное творче­ство".

Особый интерес проявляет композитор к истории своего Отечества. Историческим событиям посвящены его балеты"Двенадцать" по Блоку и "Ярославна" по "Слову о полку Игореве". В этих произведениях Тищенко развивает эпи­ческие традиции русской музыки. Балет "Ярославна" мо­жет вызвать аналогии с оперой Бородина "Князь Игорь", однако музыка балета отличается большой драматической напряженностью, звучит сильно и страстно, как Слово о на­стоящем. В балет введен хор, который здесь — и рассказчик, и комментатор. Текст "Слова" используется в подлиннике, он распет на старинный манер в духе былин. Наряду с этим в таких сценах балета, как, например, "Вежи половец­кие", возникают алеаторический хаос, ритмы грохочущей скачки.

Совсем иной мир предстает в сочинениях для детей: балете "Муха-цокотуха", опере "Краденое солнце", оперетте "Тараканище". Средствами музыки композитор изображает смешные портреты своих "героев": тараторящих сорок, сольфеджирующих козлов, серьезных целеустремленных раков и других веселых обитателей сказок Корнея Чуков­ского.

Композиторскую работу Тищенко сочетает с другими видами творческой деятельности: преподает в Петербург­ской консерватории, пишет статьи о музыке.