Учебно-методический комплекс (стр. 3 )

Возникновение орнамента

Истоки возникновения орнамента уходят в те времена, когда человек перешел к оседлому образу жизни и начал изготавливать орудия труда и предметы быта. По-видимому, самый первый орнамент украсил сосуд, вылепленный из глины, когда до изобретения гончарного круга было еще далеко. Состоял такой орнамент из ряда простых вмятин, сделанных на горловине пальцем примерно на равном расстоянии друг от друга. Естественно, эти вмятины не могли сделать сосуд более удобным в пользовании, но они делали его интереснее, радовали глаз. Однако в первую очередь узор призван был "защитить" сосуд от проникновения через горловину злых духов. Это связано с тем, что в древнем прикладном искусстве магический элемент преобладал над эстетическим, выступая в качестве оберега от стихии и злых сил. То же самое относится и к украшению одежды. Магические знаки на ней оберегали тело человека от злых сил, поэтому не удивительно, что узоры-заклинания располагали на вороте, рукавах, подоле. Но некоторые современные исследователи считают, что ранние декоративно-орнаментальные элементы могли и не иметь смыслового значения, а являться лишь отвлеченными знаками, в которых выражали чувство ритма, формы, порядка, симметрии.

С усовершенствованием орудий труда стало возможным украшать не только глиняные сосуды, но и изделия из дерева и камня. Украшения были в виде неглубоких точек, прямых и кривых линий. Основанный на неизобразительной символике, орнамент был почти исключительно геометрическим, состоящим из строгих форм круга, полукруга, овала, спирали, квадрата, ромба, треугольника, креста и их различных комбинаций. Использовались в декоре зигзаги, штрихи, полоски, "елочный" орнамент, плетеночный ("веревочный") узор. Древний человек наделял определенными знаками свои представления об устройстве мира. Например, круг -- солнце, квадрат -- земля, треугольник -- горы, свастика -- движение солнца, спираль -- развитие, движение и т. д. Но эти знаки, по всей вероятности, еще не обладали для предметов декоративными качествами (часто покрывались орнаментом скрытые от глаз человека части предметов -- днища, оборотные стороны украшений, оберегов, амулетов и др.). Постепенно эти знаки-символы приобрели орнаментальную выразительность узора, который стал рассматриваться только как эстетическая ценность.

Зависимость человека от тайных сил природы способствовала созданию более сложного орнамента, который в те давние времена имел определенный символический смысл. Необъяснимые тогда явления природы привели к поклонению им - дождю и ветру, луне и звездам, земле и воде. Но центральное место отводилось солнцу - источнику света, тепла и жизни. Часто встречающееся изображение круга связано с культом солнца, от которого зависел урожай, а, следовательно, и судьба крестьянина-землепашца. Со временем изображение солнца в виде круга с лучами и изображение воды в виде волнистой линии потеряли изначальный смысл, но они остались любимыми мотивами орнамента в народном искусстве. Розетка с солнцем помещается обычно в центре, а волнистая линия воды обрамляет изделие или же несколько рядов волнистой линии образуют сетку, покрывающую поверхность. Такие простейшие узоры характерны почти для всех древних народов Земли. Но возникли они совершенно самостоятельно, так как в те далекие времена практически отсутствовала какая-либо связь между народами.

То же самое можно сказать и о другом мотиве орнамента - спиралеобразном завитке. То, что в большинстве растительных орнаментов такой завиток существует, не является случайностью, а отражает закономерность окружающего мира. Движение по спирали свойственно многим явлениям природы и жизни. Древний человек не мог объяснить многих явлений природы: ураган, уничтожающий посевы, водоворот и т. д., но он не мог не заметить, что во всех этих явлениях присутствует нечто общее - спиралеобразное. Спираль просматривается и в строении паутины, и в расположении лепестков ромашки, стадо испуганных животных тоже разбегается по спирали. Поэтому за многие тысячелетия своей истории человек не мог пройти мимо такого феномена, как универсальный знак, и, в конце концов, перенес его на окружающие предметы.

До настоящего времени у исследователей искусства нет единого мнения насчет происхождения орнаментального мотива меандр (этот тип орнамента получил свое название от извилистой реки Меандр в Малой Азии; сейчас эта река называется Мендерес), который принадлежит к характерным орнаментальным мотивам античной Греции, а также Мексики, Перу и других народов. Он встречается как в самых простых, так и в самых сложных узорах на зданиях, сосудах, одеждах. Один из крупнейших исследователей древней культуры А. Формозов считает, что меандр, характерный для античной вазописи, древнегреческие гончары переняли у ткачей, а те лишь скопировали рисунок из нитей, получавшийся у них непроизвольно при изготовлении одежды. У палеолитических охотников Восточной Европы, не знакомых с ткачеством, меандр появился скорее всего, в результате усложнения зигзагов, нередко выгравированных на их костяных предметах.

Заслуживает внимания и предположение палеонтолога . Однажды она рассматривала тонкий срез -- шлиф бивня мамонта и неожиданно заметила, что пластинки дентина образуют на нем в поперечном разрезе что-то вроде меандра. То же наблюдение могли сделать и палеолитические люди, изо дня в день обрабатывающие мамонтовую кость, после чего им захотелось воспроизвести красивый естественный узор на браслете и других своих вещах.

С течением времени развивались торговые и политические связи между странами и народами. Эти связи не могли не привести к взаимному влиянию в области культуры. Авторитет той или иной страны, увлечение экзотикой, притязательность новизны часто являлись причинами появления в традиционных орнаментах чужеземных элементов. Так, с развитием торговых отношений с Востоком в XI-XIII веках на русскую землю пришли легенды о сказочной стране Индии и ее чудесах. Людям стали известны такие мифические существа, как райская птица Сирин, птица с человеческим лицом, но без ног, вынужденная все время летать; сирены - морские существа, имеющие голову и тело женщины, но рыбий хвост. С далекого Востока пришли легенды об огненной птице Феникс, возрожденной из пепла; о единороге, считавшемся владыкой подземного царства; о льве - царе зверей на земле. Изображения этих существ часто встречаются в украшениях домов и построек Русского Севера и Поволжья и в росписях прялок. Единоборство льва и единорога также стало элементом орнаментального украшения - это стоящие на задних лапах звери, повернутые друг к другу мордами; их передние лапы скрещены или опираются на "древо жизни" - символ плодородия. Постепенно невиданные легендарные существа приняли у народных мастеров облики узнаваемых из их собственной жизни существ. Например, единорога изображали конем, но только с рогом на лбу; лев стал похож на собаку или коня; "древо жизни" постепенно превратилось в обыкновенное дерево. Таким образом, постепенно складывались устойчивые (но не застывшие) формы, а вместе с ними и принципы построения орнамента, во многом определившие национальные художественные традиции.

Основные этапы развития орнамента

Орнамент обладает такой же древностью, как и вся художественная культура человечества. Исследователи орнамента считают, что он возник уже в верхнепалеолитическую эпоху (15--10 тыс. лет до н. э.). Так, на палеолитических гарпунах, наконечниках для копий встречаются украшения в виде ленты, окружающей их основание. Вероятно, такое украшение изображало ремни, укреплявшие наконечник на древке и имело символическое или магическое значение, определяя и как бы санкционируя употребление вещи.

В эпоху неолита широкое распространение получил геометрический орнамент, состоящий из волнообразных линий, зигзагов, крестов, кругов, спиралей, ломаных прямых линий (меандр), неоднократное повторение которых давало возможность заполнить узором большую поверхность. В это время широко использовались для украшения зигзаги, штрихи, полоски, "елочный" орнамент, плетеночный ("веревочный") узор.

Древнейшие достоверно засвидетельствованные формы растительного орнамента встречается в Древнем Египте. Здесь были разработаны мотивы цветка и почки лотоса, видимых в профиль, а также цветка лотоса, видимого сверху (так называемая "розетта", или "розетка"). Цветок лотоса - атрибут богини Исиды, символ божественной производящей силы природы, возрождающейся жизни, высокой нравственной чистоты, целомудрия, душевного и физического здоровья, а в заупокойном культе он считался магическим средством оживления усопших. Этот цветок олицетворяли с солнцем, а его лепестки -- с солнечными лучами. В египетском искусстве были разработаны также простейшие способы связи элементов орнамента: простое повторение элементов, расположенных в ряд, или чередование в одном ряду, или же противопоставление двух рядов.

В искусстве Древней Месопотамии и Древней Персии был разработан геральдический орнамент - главным образом это были изображения двух животных, расположенных симметрично друг против друга. Здесь получили большое распространение и стали характерными орнитоморфные мотивы ("птичий" орнамент), так как Двуречье было богато дичью; был создан особый вид орнаментики, связанный с суровой, военизированной действительностью. Наряду с геральдическими, получили распространение и эмблематические композиции с фигурами грифонов, крылатых гениев, вепрей, быков, иногда с человеческими головами, лошадей. Часто эти мотивы располагались по сторонам священного Древа жизни, одного из важнейших элементов искусства Востока. В персидском декоре преобладали разнообразные растительные мотивы, в изображениях которых соединились условность и натуралистичность.

В древнегреческом орнаменте были восприняты и переработаны ранее существовавшие мотивы, а вместе с тем созданы новые элементы и способы их объединения. Греческий орнамент, ясность и стройность его построения, оказал большое воздействие на всю последующую историю декора. Именно в греческой интерпретации получили сааме широкое распространение геометрический орнамент (прямолинейный меандр, "набегающая волна", спираль, зигзаг и др.) и элементы стилизованного растительного орнамента (розетка, цветок лотоса, лист плюща, разные виды пальметт). Были разработаны способы их объединения посредством волнистой линии с отходящими в разные стороны ответвлениями, а также посредством мотива растительного усика, позволившего заполнять узором любую поверхность, даже неправильной формы (например, на вазах).

Такие формы декора были заимствованы у греков древними римлянами. Переняв у греков многие орнаментальные мотивы, римляне их творчески переработали сообразно своим вкусам и менталитету. Для древнеримского орнамента характерно широкое применение мотива пышного аканфового листа, листьев дуба, лавра, виноградной лозы, шишек пинии и целых гирлянд, перевитых лентами. В архитектурный декор нередко включаются бычьи черепа ("букрании"), связки оружия ("трофеи"), а также фантастические сочетания человеческих и животных форм с растительными мотивами. В древнеримском орнаменте возникает принципиально новое для древней культуры качество -- в нем появляется "личное" взаимодействие персонажей между собой.

В орнаментике народов Западной Европы в первом тысячелетии нашей эры (у лангобардов, ирландцев, англосаксов и скандинавских) применялись главным образом исключительно сложная плетенка, а также связанный со звериным стилем звериный орнамент, в котором формы животных причудливым образом сочетались с плетенкой. В этот народный орнамент проникали мотивы античной орнаментики, а также христианские символы, изображения животных и птиц в более или менее реалистичной трактовке.

В средние века наиболее тесные связи с античным орнаментом обнаруживаются в византийском искусстве, впитавшем в себя также мотивы восточных узоров. Большое влияние на византийскую орнаментику оказало персидское и арабское искусство, из которых формально использовали орнаментальную схему и повышенную декоративность. В византийском декоре появились изображения восточного мифологического фольклора: драконы, грифоны (сочленение льва с орлом), сэнмурвы (собаки-птицы). Но и здесь проявляются характерные черты декора этого времени: стремление к сложности узоров, использование монограммы с именем Христа, включение в узор получивших символическое значение птиц и животных (голубь, рыба, барашек, павлин и др.).

Высокого расцвета достиг орнамент в средневековой Руси. Истоки его уходят в древнее искусство восточных славян, воспринявших и переработавших мотивы скифского, сарматского и других искусств. Для древнерусского орнамента характерно исключительное богатство геометрических форм, растительных мотивов, а также изображений птиц, зверей, фантастических животных и человеческих фигур. Все эти мотивы часто значительно перерабатываются, образуя сложные узоры.

В романский период Средневековья орнаментальное искусство представляло собой огрубленное переплетение античных и восточных декоративных элементов, византийских и кельтских декоративных мотивов, которые помогли сложиться уникальному орнаментальному стилю. Декор романского искусства часто называют тератологическим (мотивы чудовищ), в нем фантастически переплелись звериные и растительные формы, изображения драконов, химер и пр. Частыми элементами данного стиля были геометрические фигуры: меандр, квадраты, круги и т. д., они соединялись со стилизованными листьями аканта, пальметтами и цветочными розетками.

Со средневековья для грузинского и армянского орнамента становятся характерными растительные и геометрические мотивы, нередко включающие в себя изображения животных, фигур людей (резьба по камню, миниатюра). В искусстве народов Средней Азии получил широкое распространение сложный орнамент, основанный на переплетении геометрических и геометризированных растительных форм и сочетающийся с надписями (облицовка зданий, резьба по гипсу, керамика, ткани). Орнамент такого же типа - сложный, часто многоцветный развился в странах арабской культуры (отсюда и его название - арабески). Для иранского орнамента средних веков характерны растительные формы, в которые включаются сцены охоты, борьбы зверей (ковры, ткани и др.).

Эпоха Возрождения (15-16 вв.) принесла в Европу новое мировоззрение и художественное мышление, провозгласившее человека и окружающий реальный мир главной ценностью. Орнаменту и декору была отведена лишь роль украшения. Тем не менее, они находились под сильным влиянием изобразительного искусства. Орнамент этой эпохи строится на переработке форм западноевропейской средневековой орнаментики, арабесок и многих форм античного декора (гротесков). Всем этим формам в эпоху Возрождения была придана ясность и логичность построения и разработаны такие способы их применения, которые подчеркивали конструктивные и тектонические особенности украшаемого предмета. В эпоху Ренессанса (во второй половине XV в.) в связи с развитием гравировального искусства появляется орнаментальная гравюра, ставшая своеобразным пособием для художников. Гравюрные серии назывались: "Изображения масок разных фасонов, очень полезные для живописцев, ювелиров, камнерезов, стеклодувов и скульпторов", "Различные орнаменты, пригодные для архитектуры, живописи, столярного и слесарного ремесел и других искусств", "Многочисленные идеи, полезные архитекторам, живописцам, скульпторам, садовникам и прочим".

Орнамент последующих столетий и стилей в искусстве народов Европы большей частью пользовался ранее разработанными формами, придавая им новое художественное значение путем внесения нового ритма, характера трактовки, выбора и подчеркивания тех или иных мотивов.

Орнамент -- один из древнейших видов изобразительной деятельности человека, в далеком прошлом несший в себе символический и магический смысл, знаковость, семантическую функцию. В древнейшие времена, основанный на неизобразительной символике, орнамент был почти исключительно геометрическим, состоящим из строгих форм круга, полукруга, овала, спирали, квадрата, ромба, треугольника, креста и их различных комбинаций. Декоративное начало в орнаменте нередко сочеталось, особенно на ранних этапах истории культуры, со смысловым, так как древний человек наделял определенными знаками свои представления об устройстве мира. Со временем мотивы утрачивали свой первоначальный смысл, сохраняя декоративную и архитектоническую выразительность.

Большое значение в генезисе и дальнейшем развитии орнамента имели эстетические общественные потребности: ритмическая правильность обобщённых мотивов была одним из ранних способов художественного освоения мира, помогающим осмыслить упорядоченность и стройность действительности. Выработка новых или же использование ранее существовавших орнаментальных форм связаны со всей художественной культурой данного народа в данную эпоху. В орнаменте наглядно сказываются особенности художественного стиля, которые выражаются в выборе и трактовке орнаментальных форм, их ритме, колорите. Каждая эпоха, каждая национальная культура выработала свой подход к построению орнамента - к мотивам, форме и расположению на украшаемой поверхности. По орнаменту можно точно определить, к какому времени и к какому народу относится то или иное произведение искусства.

Практическое занятие 4.

Орнаменты древнего мира. Основные универсальные мотивы и композиции орнаментального искусства в архитектуре.

Цели и задачи:

1.Орнамент первобытных народов, кочевых народов. «Звериный стиль»
2. Месопотамия, Эгейский мир, Ассирия

3. Древний Египет

4. Древняя Греция

5. Древний Рим

Область распространения искусства степных кочевников обширна — от Черного моря до Байкала, а хронологически оно размещается в весьма неопределенных временных рамках, между VII и II вв. до н. э. В силу того, что в искусстве кочевников основную роль играл металл, его связывают с доисторической эпохой Европы. Сходство основных социально-экономических условий жизни, подвижность быта и взаимосвязь степных племен породили близость идеологии и однотипность их искусства. Это выразилось в так называемом «зверином стиле», который материализовался в золотых бронзовых украшениях, а также в деревянных, войлочных и кожаных изделиях. Все они украшены фигурами баранов, кабанов, оленей, горных козлов, тигров, барсов, зайцев, гусей, лебедей, орлов, пеликанов, фантастических животных и т. п., сплетающихся или бросающихся друг на друга в яростной схватке. Еще с первобытных времен люди стремились украшать свои жилища и предметы обихода. От эпохи палеолита остались многочисленные вещи из камня, кости, глины, росписи и резные рисунки на стенах пещер – все то, что дает возможность реально ощутить и познакомиться с той частью исчезнувшего художественного мира, который именуется миром искусства.
В эпоху палеолита прослеживается желание первобытного человека воспроизвести окружающий его мир в точных и зримых образах. Поэтому первой и основной темой палеолитического искусства была тема зверя, тема охоты, которая являлась основой существования людей ледниковой эпохи. Основное содержание пещерных росписей – образы зверей: мамонты, носороги, быки, лошади, пещерные львы и медведи. Раскраска таких изображений производилась интенсивными цветами: черным, красным, желтым, коричневым.

Палеолитический художник украшает орнаментом орудия труда и вооружение, хозяйственную и домашнюю утварь, - как правило, орнаментом геометрического характера.

Сцены борьбы животных, терзания травоядных хищниками были очень популярны у кочевников и получали отклик в их сознании. Очень выразителен образ существа с рогатым человеческим лицом, звериными ушами, когтистыми лапами, с загнутым вниз хвостом и с длинными крыльями, пришедший из искусства Переднего Востока. Во всех вещах, в каждом выступе предмета, в рукоятке гребня, на вершине ножа — везде как бы таится зооморфное начало, кажется, что предмет «прорастает» фигурками животных. Ранние памятники скифского искусства несут на себе следы сильного воздействия древневосточной цивилизации — главным образом месопотамской и урартской (например, золотая пластина в виде пантеры из Келермесского кургана). В IV в. до н. э. начинается сильное влияние на скифскую культуру греческого искусства, которое выразилось в антропоморфных мотивах. Для раннего периода скифо-сибирского «звериного стиля» главной характерной чертой является нарочитая замкнутость линий фигуры или нескольких фигур. Такой пластический характер звериного образа привел к появлению круглых блях в виде животного, свернувшегося в кольцо. Замкнутость образа достигается разными средствами — уравновешиванием деталей, их гармонией, противопоставлением плавных линий с выступами, их разрывающими, и, как выше отмечалось, к замыканию контура в круглую фигуру. К этим же особенностям следует добавить имеющуюся тенденцию к замене выразительности тела животного выразительностью обобщенных, почти геометрических форм. Другой характерной чертой «звериного стиля» является его повышенная функциональность. Например, лев держит в пасти птицу, изогнутая голова и шея которой служат крючком для соединения с противоположным концом ремня. Для раннего периода скифо-сибирского стиля типично сочетание натурализма со стремлением к стилизации, упрощению, замене целого изображения наиболее характерной деталью. В середине I тысячелетия до н. э. «звериный стиль» превращается в орнаментально-декоративный, в котором постепенно пропадает натурализм не только в передаче всей фигуры животного, но и деталей. Фигура животного превращается в набор шариков, полукругов и цилиндров; анималистическим мотивам становятся свойственны узорчатость и закручивание в сложные завитки звериных тел, превращение их в слитный ковровый орнамент. Полное господство зооморфных сюжетов наблюдается в творчестве восточных соседей скифов — сарматов. Фигурки животных: грифонов, козлов, медведей, пантер, барсов, волков, оленей и т. и. — украшают различные вещи сарматов. Особым богатством украшений отличается конская сбруя.
Мастера «звериного стиля» часто совмещали в одном произведении все известные им художественные приемы. Но, несмотря на их пестроту, чего невозможно избежать, соединяя материалы различных фактур и окраски, а также заимствованные сюжеты, во всем чувствуется господство единого стиля, чуждого какой-либо эклектики. Сарматы являются выходцами из Ирана. Обосновались в бассейне Волги к V в. до н. э. В эпоху великого переселения народов сарматское искусство распространилось по Европе, где были обнаружены изображения, декорированные анималистическими мотивами. «Звериный стиль» дохристианской Европы в отличие от собственно «звериного» отмечается повышенным драматизмом, напряженностью форм. В этом орнаменте трудно выявить отдельные изображения: все, кажется, сплетено в один тугой клубок и уже нет возможности найти, откуда начинается и где заканчивается изображение того или иного фантастического животного. Этот орнамент лишен симметрии, в нем нет повторов одинаковых форм, нет интервалов, разделяющих части изображаемого предмета и подчеркивающих смысловой акцент орнаментального мотива.
В Европе этот стиль развился у германцев, кельтов и скандинавов. Позже он перешел в христианскую культуру.

Месопотамия, Эгейский мир, Ассирия
Ассиро-вавилонский орнамент претерпел в своем становлении большое влияние древнеегипетского искусства. Орнамент в архитектурных сооружениях и прикладном искусстве Ассирии и Вавилона носил в основном геометрический характер (розетки, звезды). Он включал также стилизованные изображения растений, в частности шишки пиний, плоды граната, фантастических зверей, рыб. Самым излюбленным растительным мотивом был плод ананаса, считавшегося священным деревом. Из эмблематических фигур наиболее распространены изображения фигуры крылатого быка с человеческой головой.

Древний Египет
Неизгладимый след в истории мировой культуры оставило прекрасное и целостное искусство Древнего Египта.
Искусство древнего Египта ярко демонстрирует ту истину, что основу орнамента составляют те же смысловые истоки, что и словесный миф, и вся материальная культура.
Чтобы лучше понять его своеобразие, надо помнить, что большая его часть возникла в связи с религиозными верованиями древних египтян. Они верили, что душа человека после его смерти продолжает существовать и время от времени посещает тело. Поэтому египтяне так старательно сохраняли тела умерших; их бальзамировали и хранили в надёжных погребальных сооружениях. Чтобы усопший мог и в загробной жизни наслаждаться всеми благами, ему давали с собой всевозможные богато украшенные предметы обихода и роскоши, а также статуэтки слуг, На случай, если тело умершего по какой-либо причине подвергнется разрушению, создавалось ещё портретное изваяние, замещавшее для вернувшейся с того света души её земную оболочку.
Шедеврами древнеегипетского строительного искусства были пирамиды. Они потрясают воображение своими размерами, геометрической точностью, а также количеством труда, затраченного на их возведение. Особенно сильное впечатление они должны были производить сразу после завершения, когда их тщательно отшлифованные поверхности ослепительно сверкали в лучах южного солнца.
Величайшее и самое поразительное сооружение этого рода входит в знаменитый ансамбль пирамид в Гизе. Это пирамида фараона Хеопса. Её высота 146 метров и в ней может свободно уместиться, например, Исаакиевский собор. На самом деле пирамида состоит сплошь из камня, внутри неё находится лишь небольшая погребальная камера и ведущие к ней коридоры, которые после погребения царя были замурованы. Впрочем, это не помешало грабителям найти дорогу к укрытым в пирамиде сокровищам; не случайно, позднее от строительства пирамид пришлось отказаться. Теперь гробницы стали вырубать в скалах, а входы в них искусно маскировали. Благодаря невероятному стечению обстоятельств была открыта в 1922 г. одна такая гробница, где был захоронен умерший молодым фараон Тутанхамон.
Из пирамид и масштаба крупных вельмож на берегах Нила складывались целые "города мёртвых". Неподалёку, обычно на другом берегу Нила, возвышались храмы в честь богов. В их колонные дворы и залы вели огромные ворота, образованные двумя массивными, сужающимися кверху каменными блоками, т. н. пилонами. К воротам вели дороги, обрамлённые рядами сфинксов - статуй с телом льва и человеческой или бараньей головой. Колонны повторяли формы распространённых тогда в Египте растений - папируса, лотоса, пальмы. Как густой лес стоят они в огромных храмах Луксора и Карнака, которые были основаны примерно в 16-14 веках до нашей эры. В наше время стал особенно знаменит высеченный в скале храм в Абу-Симбел. Строительство Ассуанской плотины грозило ему затоплением. Для спасения храма была проделана гигантская работа: скалу, в которой высечен храм, распилили на куски и снова собрали в безопасном месте на высоком берегу Нила.
Стены и колонны египетских зданий украшали рельефы и росписи, которые легко узнать по своеобразным приёмам изображения человека. Каждая часть фигуры была представлена в своём повороте так, чтобы её было видно как можно полнее: ступни ног и голова в виде сбоку, а глаза и плечи - спереди. Дело тут было не в неумении, а в строгом соблюдении определённых правил. Длинными полосами следовали друг за другом серии изображений, очерченных врезанными контурными линиями и окрашенных в красиво подобранные тона; им сопутствовали иероглифы - знаки - картинки письма древних египтян. По большей части здесь показаны события из жизни фараонов и вельмож, встречаются также и сцены труда. Полагают, что изображены не столько действительные, сколько желаемые события, поскольку египтяне верили, что изображённое непременно должно исполниться.
Древние египтяне не знали перспективы, дальние предметы они изображали просто над ближними. Несмотря на некоторую наивность, их рельефы и росписи подкупают тонкостью и изяществом. Особенно пленительны стройные женщины в лёгких льняных одеяниях, украшенные многочисленными драгоценностями.
Особый расцвет египетского искусства наступил в эпоху правления фараона Эхнатона в 14 веке до нашей эры. В то время в искусстве получали отзвук и реальные события. Среди других произведений тогда были созданы замечательные изображения дочерей царя и его жены, красавицы Нефертити, которая повлияла на идеал красоты даже наших дней.

Древняя Греция Древнегреческое орнаментальное искусство известно нам главным образом в двух основных дошедших до нас его формах: вазописи и архитектурном декоре. Сюжетная вазопись. Существуют различные периодизации греческой вазописи – распределение ее на чернофигурный и краснофигурный стили, выделение в ней геометрического стиля, рассмотрение истории вазописи в соответствии с принятой периодизацией греческого мира: гомеровский период, ориентализм, архаика, классика, поздняя классика, эллинизм. Основу греческого орнамента составляют заимствованные, чужие мотивы – здесь напомним только египетско-ассирийском лотосовом фризе и о других орнаментальных формах восточного происхождения. Однако нужно отметить достойную удивления силу творчества греческих художников, которые сумели заимствованные формы мастерски переработать в духе своего стиля и связать их со своими собственными вымыслами так естественно, что весь результат их деятельности представляется совершенно самостоятельным направлением искусства. Проникнутым чисто национальным духом. Орнаменты большей частью состояли из стилизованных растений, но цвета, тон и форма не были целиком скопированы с природы. Древний Рим Итак, первоначально римлянами заимствовались образцы этрусского и греческого стиля. В орнаментальных мотивах этрусков, например, присутствовали изображения животных, грифонов, крылатых львов, пальметок. В узоре этрусских тканей применялись крестики и горошины. Платья и плащи были украшены вышитым бордюром с узором из кругов с точкой в середине или полоской другого цвета. Этот тип декора позже стали использовать Римляне в своем костюме. Основные цвета в римском костюме коричневые, желтые, пурпурные. Цветовая гамма яркая и красочная. В Период Империи появляются изысканные сочетания цветов и оттенков: розовато-сиреневого, серовато-голубого, светло – лилового с желтым, светло - зеленого с белым, светло-голубого с белым. Римляне создавали свои комбинации, применяя различные орнаментальные мотивы греческого стиля. Такие как - кедровые шишки, листья дуба, плющ, вьюн, колос, пальма, мак, виноград. Неоспоримым достижением искусства античного Рима является мозаика. Настенная и напольная, она была украшена геометрическим узором и эмблемой в центре. На мозаиках наряду с мифологическими сюжетами и сценами из повседневной жизни, изображались и пейзажи. А так же цветы лотоса, многоцветные волны, витой шнур, то есть чисто декоративные мотивы. Полы с римскими мозаичными рисунками смотрятся прекрасно и и основал город Александрию. Искусство Древнего Рима с его оригинальными и совершенными памятниками живописи, архитектуры и скульптуры принадлежит к высшим достижениям мировой культуры. Римское изобразительное искусство, подобно искусству греков, составляет неотъемлемую часть художественной системы античности. Границы Римского государства и сферы его влияния были обширны. В орбиту художественных влияний Рима включалось множество разнообразных народов и племён, обладавших своими, подчас сильными художественными традициями. Римское искусство, развиваясь в рамках античной рабовладельческой эпохи, вместе с тем сильно от него отличалось. Становление и формирование культуры римлян происходило в иных исторических условиях. Познание мира римлянами приобретало новые формы. Художественное осмысление жизни римлянами несло на себе печать аналитического отношения. Их искусство воспринимается как более прозаическое в отличие от греческого. Яркой особенностью искусства Рима является его теснейшая связь с жизнью. В художественных памятниках находили отражения многие исторические события. Перемена в общественном строе - смена республики империей, смена династий правителей Рима - непосредственно влияли на изменения в живописных, скульптурных и архитектурных формах. Именно поэтому порой не трудно по стилистическим признакам определить время создания того или иного произведения. С конца I в. до н. э. с угасанием эллинистических государств ведущее значение в античном мире приобретает римское искусство. Впитав в себя многое из достижений культуры и искусства Греции, оно воплотило их в художественной практике колоссальной римской державы. В основе римской художественной культуры лежат точность и историзм мышления, далекие от возвышенной поэтики мифотворчества греков. Практический склад римской культуры сказывается во всем - в прагматичном стиле их мышления, в нормативном представлении о целесообразном миропорядке, в скрупулёзности римского права, в тяготении к точным историческим фактам, в примитивной конкретности религиозных представлений, в суровости прозы как формы литературы, главенствующей в римской культуре. Хронологические рамки древнеримской культуры охватывают почти тысячелетие. Начало римского искусства относится к периоду Республики - конец V - конец I вв. до н. э. Оно достигло своего наивысшего расцвета в так называемую эпоху Римской империи - конец I в. до н. э. - V в. н. э. Художественная культура Рима отличалась большим разнообразием и пестротой форм. В ней отразились черты, свойственные искусству покоренных римлянами народов, которые нередко стояли на более высоком культурном уровне. Римское искусство сложилось на основе сложного взаимопроникновения самобытного искусства италийских племен и народов, среди которых особое место занимали этруски, обладатели высокоразвитой самобытной и древней художественной культуры. Именно этруски познакомили римлян с искусством градостроения, настенной монументальной живописью, скульптурным и живописным портретом. Большой вклад в формирование римской культуры внесли греческие колонисты Южной Италии и Сицилии, никогда не порывавшие культурных связей с метрополией. Именно греческая архитектура и греческие ордерные системы и принципы декора перерабатывались римлянами. Не меньшее значение позже приобрело для римской культуры и эллинистической искусство, склонное к грандиозности и масштабности. Вбирая, разнообразные и наиболее ценные для него элементы римская художественная культура сохраняла, тем не менее, свою самобытность и оригинальность. Особенности исторического развития определили важнейшие отличия искусства римского от греческого. В художественном наследии Рима едва ли не первое место завоевал скульптурный портрет, к котором проявился особый интерес к проблеме личности и ее судьбе, представление о конкретно-историческом характере рядового человека - гражданина римского государства, сознающего свое значение как самоценной личности. Помпейские росписи сыграли важную роль в дальнейшем развитии декоративного искусства Западной Европы. В расписном искусстве портрет получает широкое распространение и в живописи. Однако эволюцию римского живописного портрета нельзя проследить подобно скульптурному. Живописных портретов сохранилось немного. Об их характере в известной мере дают представления фаюмские портреты 2-3.в названых по месту нахождения в некрополе Эль-Фаюм, в восточной римской провинции Египта. Живописный портрет в Эль-Фаюме, развивался под воздействием эллинистически - римского искусства. Он сохранил здесь ещё культовое назначение, продолжая этим традицию древнеегипетского портрета. Исполненный на тонкой деревянной дощечке или холсте, портрет после смерти человека вставлялся в забетонированную мумию. Фаюмский портрет был основным видом живописного искусства. В нём уже не было скованности фронтальной композиции египетского портрета. Модель изображалась с естественным трёх четвёртным поворотом головы и обычно помещалась в нейтральном фоне. Плоская декоративная раскраска сменилась живописной лепкой объёма. Применялась чистая темпера, а также смешение этих красок, дающее разнообразные живописные эффекты. В фаюмских портретах обращает внимание яркая обрисовка индивидуальных особенностей модели: Точно воспроизводятся и возрастные особенности, и этнические черты различных народов. Особенно привлекают обаятельные женские образы. В изысканном портрете «Молодой женщины», за внешней горделивостью и сдержанностью, проступает волевой, яркий, страстный темперамент. К прекрасным образцам в технике энкаустики относится портрет «Молодого человека с бородкой в золотом венке». Насыщенные краски переливаются глянцем, мерцают как драгоценные камни. В конце 2-3в. н. э. в фаюмских портретах появились элементы схематизма. Вместе с тем в них усилилось воздействие местной древнеегипетской традиции. Формы представлялись плоскостно, контур силуэта становился более чётким, черты лица воспроизводились дробным орнаментальным рисунком. Колористическая гамма построена на лёгких, слитных, прозрачных цветах. Применяя резкие контуры, художник стремился не к обозначению рельефности тел или анатомии, а к фиксации, путём проецирования на плоскость стены, бесплотных образов, вылепленных игрой света и тени. О римском происхождении указанных росписей, основанных на подражании эллинистическим образам, свидетельствует, как правило, их подчёркнуто натуралистическая трактовка, которая проявляется не столько в повышенном внимании к правдоподобию изображения, сколько в огрублении образа, мало чем отличающегося от подобных же образов в этрусской живописи. В пейзажах и особенно в портретах образ, хотя и не зависит от впечатления или ощущения, непосредственно полученного от созерцания натуры, тем не менее, утрируется для большего правдоподобия. Возьмём, например, «Морской порт». Он изображён сверху и похож скорее на план: здание и корабли распределены на нём как на топографической карте, отблески света, не имеют ни какого отношения к реальному освещению, это всего лишь приём для иллюзорного оживления изображаемых явлений. В изображении сада в вилле Ливии в Риме мы находим настоящий инвентарь растений, воспроизведенный художником по памяти: ему хорошо известна форма каждого отдельного дерева или куста, и он с уверенностью её воспроизводит. Но то, что уточняется быстрыми цветовыми мазками, - это не предметы, находящиеся перед глазами художника, а лишь представления о них: Художник, таким образом, воплощает в красках не пейзажах, написанный с натуры, а умозрительный образ природы, для передачи которого особенно подходит та обобщающая, беглая и эскизная техника, в задачу которой не входит непосредственное общение с изображаемыми предметами. Эта техника становится ещё более беглой и насыщенной в раннехристианских росписях катакомб, где часто символическое изображение святых не имеют никакой связи с реальным миром. Роспись основной сцены близка рисункам на греческих архаических вазах. В этом убеждает фризовость композиции, чёткое разделение поля изображения на две части, заполненные орнаментами свободных пространств. Фигуры здесь просто раскрашены, лишены светотеневой моделировки. В композиции росписей этрусских гробниц можно видеть умелое подчинение живописи архитектуре склепов: в частности, изображения на люнетах торцовых стен удачно вписаны в их треугольники, различные элементы композиций гармонично связаны друг с другом. На стены жилых домов времени расцвета империи наносились фрески самого разнообразного содержания. Ещё греческие живописцы состязались в мастерстве изображения. Римские художники также работали в этом стиле. Большими мастерами в изображении предметов были Помпейские художники. Они искусно воспроизводили округлости сочных плодов, прозрачность стенок стеклянных сосудов, сквозь которые виднеется вода или фрукты. Материальность вещей передавались ими с вызывающей восхищение достоверностью. Нередки в помпейских живописях и портреты. Выдающимся памятником этого рода является изображение молодого юриста Теренцие Нео с женой. Художник показывает умное лицо и внимательный взгляд помпейского правоведа. Он держит перед собой свиток, его жена - дощечки и палочку для письма. Точно переданы индивидуальные черты супругов, их сосредоточенность перед портретистом. Особенно полное выражение художественные идеалы времени Флавиев нашли в декоративных росписях четвёртого стиля, отличающихся пышностью и помпезностью. Росписи эти ярки и красочны. В них часто используется жёлтый, красный, зелёный цвета. В композициях, разрушающих конструктивность стены, представлены то фантастические архитектурные пейзажи, то лёгкие, будто невесомые, воздвигнутые для декораций открытые лоджии и арки, то поражающие тяжеловесностью массивных форм здания. Взору открываются роскошные архитектурные ансамбли, уходящие вдаль портики с высокими колоннами разнообразных пропорций и ордеров. В этих красочных декорациях были изображены многие несохранившиеся сооружения классической римской архитектуры. В произведениях расцвета империи глубокая противоречивость эпохи ярко вступает в сочетание театрализированной величавости и неизменной откровенной циничности многих образов. Сознание безграничных возможностей владеющего миром римлянина окрашивается именно в эти годы мрачными мыслями о бренности бытия. В искусстве Флавиев нашли отражение с особенной откровенностью и полнотой, величие и пороки рабовладельческой империи. Таким образом, можно сказать, что в эпоху римской республики начался расцвет римского изобразительного искусства. Пусть это начало ознаменовалось лишь подражанием и заимствованием греческой культурой. Впоследствии это приведет к развитию своей оригинальной техники живописи, Но это будет уже эпоха Римской империи. Практическое занятие 5. Орнамент арабо-мусульманского мира, Византии и европейского Средневековья Цели и задачи: 1.  Арабо-мусульманский мир (Персия, Турция, Мавританское искусство) 2.  Персидский орнамент 3.  Арабский орнамент 4.  Византия 5.  Орнаментальные обрамления Персидский орнамент достиг своего рассвета к 15-16 вв. он возник под сильным влиянием художественных культур Востока, впитав в себя, их достижения и творчески переработав в свой стиль, в котором угадываются элементы и арабского, и индусского, и византийского орнамента. Персидскому орнаменту свойственны внимательное и любовное отношение к формам природы, растительного и животного мира. В персидском искусстве в отличие от арабского и мавританского не было запрета на изображение животных, а потому персидские мастера достигли в нем большого совершенства. Для персидского орнамента (ковры, ткани, керамика) характерно совмещение в одной композиции сплетений геометрических линий, стилизованных цветов и животных в движении, также характерны законченность рисунка и богатство колорита. Арабский орнамент много впитал в себя из персидского, византийского, отчасти греческо – римского искусства. В силу того что, изображения человека запрещались религией ислама, главной формой художественного воплощения мусульманской культуры стали архитектура и прикладные искусства, в которых чрезвычайного разнообразия и выразительности достиг - орнамент. В мусульманском искусстве выделяют два вида орнамента: геометрический «гирих» и растительный – «ислими». Византия В византийском орнаменте осуществилось слияние эллинистических и восточных традиций. Орнамент состоял из сложных сплетений звериных (птиц, грифонов, барсов) мотивов, стилизованных растительных побегов, в частности виноградных лоз, трехлепестковых цветов и различных геометрических фигур. Акант передавался огрубление и в значительной мере условно, формы утрачивают объемность, становятся более плоскими. Характерным для орнаментального творчества Византии остается причудливая роскошная узорчатость, заимствованная у персов. Изображения животных на византийских тканях заключены в геометрические фигуры — круги или многоугольники; иногда они обрамлены длинным изогнутым акантовым листом. Для византийских тканей более характерен геометрический и зооморфный орнамент в сочетании с человеческими фигурами, чем растительный. Растительные же формы сильно стилизованы. Растительные мотивы в византийской орнаментике несложны и разделяются на простейшие элементы — пальметку, полупальметку и стебель, образующие немногие комбинации. Они широко распространены в искусстве средневековья, в том числе и в византийской орнаментальной флоре. К наиболее распространенным в византийском орнаменте относятся следующие мотивы: Пальметки: а) пятилепестковые, где нижняя пара лепестков образована спирально закрученными усиками; б) трехлепестковые; в) нерасчлененные пятилистники, вписанные в ромбические фигуры. Подобная пальметка («византийский цветок») — излюбленный мотив орнаментики греческих рукописей XI—XII в. Изогнутые стебли с цветами-пальметками и листьями-полупальметками используются на чашах для заполнения фона, на византийской поливной керамике и в миниатюрах XII в. Тонкие гибкие побеги с пальметками и полупальметками украшали заставки греческих рукописей, входили в мозаичное убранство дворцовых интерьеров. В медальонах на дне поливных блюд, на произведениях перегородчатых эмалей ими заполняли фон композиций. Непрерывный волнистый стебель, от которого отходят пальметки и полупальметки. Этот общесредневековый мотив использовали во все периоды византийского искусства (поливная керамика, мозаика, заставки рукописей и т. д.) Древовидные композиции. Узоры из парных сливающихся завитков с цветками внутри встречаются в византийской пластике по серебру XI—XII вв. Симметричные растительные побеги с пальметками внутри известны в греческой рукописной орнаментике. Сходные древовидные композиции известны в каменной скульптуре XI—XII вв. Орнаментальные обрамления 1. Ленточная плетенка. В создании сложных ленточных плетений византийских мастеров вдохновляли восточные мотивы. Ленточные плетения, образующие звезды и другие геометрические фигуры, с X—XI вв. распространились в орнаментике Ирана, Малой Азии, Закавказья, Средней Азии, Египта, Сицилии. Через Византию этот мотив проникает во многие страны, вплоть до Франции. 2. Круговое плетение. Архитектурный мотив несущих аркаду двойных колонн особенно распространен в константинопольских рукописях второй половины XI—XII вв., стеатитовых иконах, чеканных складах и др. Ни на Кавказе, ни на Руси он не встречается. Мотивы и сюжеты 1. «Дигенис и Евдокия» — аналогию см. в античном искусстве - «Давид и Мелодия». От античной композиции византийского мастера отличает определенный элемент средневековой условности, пришедший на смену неоклассицизму. Поединки всадников. Георгий-воин. В IX—X вв. в обстановке войн с арабами и тюркскими кочевниками усиливается культ святых воинов. Особенно популярен был св. мученик Георгий, по традиции почитаемый как доблестный покровитель воинства и самого императора. С X в. господствует иконографический тип Георгия-воина, вытеснивший тип Георгия-мученика. Существует несколько вариантов: а) святой в доспехах, стоит во весь рост, опираясь на копье и щит; б) сидит с мечом в руках; в) едет на коне; г) поражает дракона. Наиболее распространенными были изображения Георгия в виде пешего воина либо всадника. 4. Поединки пеших воинов. Мотив единоборства двух воинов был распространен на константинопольских ларцах X—XII вв., украшенных накладками из слоновой кости. 5. Победитель льва. В средневековой иконографии распространены сцены борьбы со львом Геракла, Самсона и Давида. Христианские толкователи видели в них символические прообразы торжества Христа над силами князя тьмы. 6. . В Византии фигура Александра Македонского была лишена церковной окраски. В средние века в искусстве был особенно популярен эпизод (фантастический) полета Александра Македонского на небо. Существовало два варианта: а) Александр возносится на небо, сидя на огромной птице; б) два грифона возносят царя. Первый вариант вознесения очень редок (монеты, бронзовая пластина на византийском ларце из слоновой кости XII в.). Он не известен на Западе. Мотив полета героя на гигантской птице отразился в живописи и художественном ремесле мусульманской Персии. Гаруда несет на груди маленькую фигурку человека. Птица распластана в геральдической позе. 7. Придворное празднество. Пир царя или вельможи в окружении слуг и музыкантов — традиционная тема в придворном искусстве Востока (керамика, миниатюры). 8. Музыка, танцоры, акробаты. Изображается двор византийского императора. 9. Мотивы звериного стиля. В XI—XII вв. в искусстве европейских стран получили небывалое распространение «звериные» мотивы. В это время символизм, особенно «зоологический», был очень популярен в мировоззрении эпохи в силу отсутствия естествознания как науки. Для человека XII в. не было существенной разницы между реальной и фантастической фауной, так как ее представители в основном вызывали интерес как воплощение отвлеченных идей. Множественность смысловых оттенков сопровождалась причудливым разнообразием форм (кентавры, сирены и другие мифологические существа). Реальных и баснословных зверей византийского бестиария отличает «реализм». Как и в античном искусстве, полиморфные существа, созданные из как будто несовместимых анатомических элементов (сирены, кентавры, грифоны), убеждают в своем существовании. Это достигается тем, что каждая из составляющих их частей передана естественно и все части органично соединены. Декоративное оформление фигур зверей и птиц очень умеренное. В отличие от романской теологии (мистика, демонизм), в искусстве Византии и Балкан звери олицетворяли преимущественно положительные по отношению к человеку свойства и имели охранительное, заклинательное значение. Образы львов, барсов, грифонов, сирен были чужды официальному и церковному искусству, но получили распространение в книжной иллюстрации и художественном ремесле, менее зависимых от традиций, канонов. Идеалам военно-феодальной знати отвечают избранные образы свирепых хищников, которые становились геральдическими эмблемами (шелковые ткани, печати вождей). В искусстве феодальной знати преобладали изображения тех зверей и птиц, которые в литературе олицетворяли силу, ярость, отвагу сражающихся воинов. Так, лев был гиперболическим образом мощи героя, воплощением идеи сильной власти. Высшие военные чины империи носили одежды с белыми львами. Это была излюбленная геральдическая эмблема феодальных правителей. Грифон (лев с орлом) — в христианской иконографии Запада - воплощение сатаны. Византийцы унаследовали античное представление о грифоне как неусыпном бдительном страже. Грифона считали существом высшей силы и боеспособности. В высших кругах военной аристократии грифон олицетворял знатность происхождения и власть. Излюбленными образами византийского «зверинца» были также барсы (леопарды), волки, лисицы, медведи, зайцы и птицы. Изображения птиц в византийском искусстве количественно преобладали над «звериными» мотивами. Они были распространены на шелковых тканях, поливной керамике, миниатюрах. Павлины, как и на Востоке, в византийском искусстве олицетворяли роскошь и царственное достоинство. Как эмблему высших сил павлинов в фас изображали на царских и кесарских одеждах, на тканях, в поливной керамике. Головы павлинов — «райских» культовых птиц — иногда окружают нимбом. В церковной скульптуре — это традиционный символ воскресения и бессмертия. Для искусства Ближнего Востока и Закавказья павлины, изображенные в фас, нехарактерны. В византийской орнаментике профильных павлинов группировали по сторонам древа жизни. Излюбленными были также охотничьи сцены (звериный гон), пришедшие из искусства Ближнего и Среднего Востока, мотивы разнообразных масок, имеющих эмблематическое значение. Наиболее употребляемые цвета в византийском орнаменте: ярко-зеленый, ярко-красный, фиолетовый, пурпурный. В свою очередь заимствованные и по-своему переработанные орнаментальные формы других народов, сложившись в своеобразный византийский стиль, оказали влияние на искусство стран Западной Европы и Востока, и в особенности на русское искусство.

Практическое занятие 4.